Deutschrap: männliche Künstler

Neben langzeit Musikern, schaffen auch immer mehr Newcomer einen schnellen Start in die Rapper Charts. Mehr und mehr männliche Musiker rappen neben Themen wie Drogen, Sex, und Gewalt – auch über Liebe, Musik, Freunde oder andere softe Bereiche.

Bausa: Rapper, Sänger, Komponist & Produzent

Mit Sido, Miss Platum und RAF Camora & Bonez MC ist Bausa schon seid längerer Zeit zu hören. Bausas Musik läuft im Radio auf und ab und mit einigen Titeln hält er sich auf den ersten drei Plätzen der Chartslisten.

Im Jahr 2017 veröffentlichte Bausa sein Debütalbum „Dreifarbenhaus“ und wurde in der deutschen Hip Hop Szene stark applaudiert. Mit dem Hit „Was du Liebe nennst“ wurde er international bekannt und erreichte nach und nach den Gold Status. Seine restlos ausverkauften Touren, zeigen bis heute, dass er ein talentierter Rapper ist.

Jetzt zeigt Bausa eine ganz neue Seite. Sein neues Studioalbum ist thematisch sehr persönlich und musikalisch vielseitiger den je. Gleich die erste Single „Licht“ (feat. Dardan) kündigt es an: In dem autobiografischen Track blickt Bausa zurück auf sein bewegtes Leben und seine Karriere und rappt über einen souligen Beat: „Doch auch, wenn es dunkel ist, macht Gott dir ein Licht an“ – selbst eingefleischte Fans dürften von Zeilen wie diesen aus Bauis Mund überrascht gewesen sein. Bekannter sind einem da schon die Oberthemen der Folge-Singles: in „Mary“ rennt er für ebenjene(s) durch die Stadt und singt in seinem unnachahmlichen Stil über einen großartig melodischen Bass-Beat, in „Guadalajara“ fliegt er über einen treibenden Blaxploitation-Clubbeat gemeinsam mit Summer Cem für gewisse Geschäfte nach Mexiko, die Attitüde knallhart und die Taschen „randvoll mit Para“. Seine nächste Single ist ein Kontrastprogramm#4, hier singt er schließlich singt er zu symphonischen Klängen von seinen tiefen Gefühlen für den verstorbenen Vater.

Bausa ist ein Multitalent. Er macht das, worauf er grade Lust hat. Der Künstler zeigt sich nicht nur als Rapper mit tiefer Stimme, er singt, komponiert, und produziert. Zu den weiteren Produzenten gehören The Cratez, Jugglerz, reezy, Juh-Dee, iLLthinker, Daniel Grossmann und Matthias Mania.

https://www.instagram.com/p/B58IlXKikPw/

Trettmann: Single Charts, sächsischer Dialekt als Rapper

Ronny Trettmann , ein Reggae und Dancehall Künstler, erobert vier Wochen die Singlecharts des Landes. Mit seinem sächsischen Dialekt und einer sexy Autotune Stimme, erregt er aufsehen. Neben großen Auftritten auf verschiedensten Festivals, nimmt er mit anderen Deutschrappern wie Gringo, GZUZ, Materia und Megaloh Lieder auf, die mittlerweile Jeder kennen sollte.

https://www.instagram.com/p/B9JqVgRqaIQ/

Rin: Trendcharts & bester Newcomer National

Krasse Texte, große Gefühle und fragwürdige Posen – Schon seit Wochen sind Rin -Songs bei Spotify und Apple Music ganz vorn in den Trendcharts. Seine Tour in allen Städten fast ausverkauft. 2017 gewann er bei den Hip Hop.de Awards den Preis als Bester Newcomer National.

https://www.instagram.com/p/B-Et0g6Dmw6/

Rapszene in Deutschland: Künstler des Deutschraps

Bekannte Namen wie Schwester Ewa in der deutschen Rap Szene sind nicht die einzigen Frauen die durchstarten. Juju, Nura oder auch Eunique, sind die neuen Frauen, die in der deutschen Rap Szene Rekorde schlagen. Ihre Texte handeln von Partys, Loyalität, Familie, Freunde oder Ex Partner, vielfältiger kann die Frauenrap Szene nicht sein.

Juju & Nura: SXTN & eigene Karriere

SXTN – ein deutsches Hip Hop Duo aus Berlin, zwei Rapperinnen Juju und Nura. 2015 gelingt den Mädels der Durchbruch. Ausverkaufte Tour Tickets und auf den Listen der Top 20 Charts bringen die Zwei auf die Spitze. Ihre Ansagen sind unmissverständlich: SXTN demonstrieren Selbstbewusstsein und lassen sich nicht reinreden. Die Trapbeats kommen hart und fordernd, die Lyrics sind vulgär und derb. Die Provokation gelingt zweifellos. Mittlerweile produzieren die Mädels getrennt, da sich ihre Musikrichtungen differenzieren. Beide sind trotzdem weiterhin sehr erfolgreich.

https://www.instagram.com/p/BbS843ij4wE/?taken-by=sxtnmusik

Eunique: Hustlerin, Kobra Militär

Eunique – bekannt als die Hustlerin. Die Themen soziale Ungerechtigkeit, Sexismus und Rassismus rappt sie einfach runter. Die Hamburgerin stellte damals ihr Freestyle Rap Video rein und damit beginnt ihre Karriere als eine Rapperin – die sich traut. Eunique auch als Kobra bekannt, gründet einen Fanclub Kobra Militär – um ihre Community zu erweitern.

https://www.instagram.com/p/B1MiVeMAPHs/

Loredana: Rapperin & Stil Ikone der Frauen

Loredana, zeigt sich taff und stilsicher in ihren Videos. Singt über Liebe, Hass und Medienwelt. Sie wird für ihre ehrlichen Worte gefeiert und zeigt auf Tour was sie drauf hat. Während sie damals mit ihrem damaligen Freund (und späteren Ehemann), den kosovarischen Rapper Mozzik durchstartete, zieht sie nun alleine in die Charts mit großem Erfolg.

https://www.instagram.com/p/B9Z6mgtFWOv/

„Wenn du Lachst“ – warum dieser Song mehr ist als nur ein Familienprojekt

Das Wort „selfmade“ wird in der Musikbranche inflationär benutzt – meistens von Major-Labels, deren Künstler von zwölf Songwritern gleichzeitig betreut werden. Bei Luna Farina trifft es zu, und zwar im wörtlichen Sinn: Der Text stammt aus ihrer Feder, die Komposition vom Vater, das Video entstand ohne große Produktionsfirma. „Wenn du Lachst“ ist eine Pop-Ballade mit deutscher Lyric-Tradition – kein billiges Englisch-Cover, kein generischer TikTok-Hook, sondern ein Song, der sich traut, ein Gefühl klar zu benennen.

Das ist relevanter, als es klingt. Während die deutsche Charts-Spitze 2019 dominiert wurde von Trap-Beats und englischsprachigen Crossover-Produktionen, setzt Luna auf etwas, das im deutschsprachigen Raum eine echte Lücke schließt: emotionale Pop-Musik für die Zielgruppe 12 bis 22, gesungen von einer, die selbst zu dieser Zielgruppe gehört. Keine 35-jährigen A&Rs, die sich vorstellen, was Teenager fühlen könnten. Sondern eine Teenagerin, die schreibt, was sie tatsächlich erlebt.

Von The Voice Kids zur eigenen City Tour – der Werdegang

Luna Farina wurde einem breiteren Publikum durch ihre Teilnahme bei The Voice Kids bekannt, einer Show, die im deutschsprachigen Raum mehr Karrieren angestoßen hat als jedes andere Casting-Format der letzten Jahre – von Lukas Rieger bis Mike Singer. Doch anders als viele Show-Absolventen verschwand Luna nach dem TV-Hype nicht in der Versenkung. Stattdessen baute sie kontinuierlich auf: eigener Merchandise (siehe Luna Farinas Merch-Kollektion), regelmäßige Releases, eine wachsende Fanbase auf Instagram und YouTube.

Im Sommer geht sie auf eine exklusive City Tour – kein Stadion, kein riesiges Hallen-Branding, sondern Auftritte in überschaubarem Rahmen, die echten Fan-Kontakt ermöglichen. Genau dieser Ansatz unterscheidet sie von vielen Casting-Sternchen, die nach der Show direkt in die Arena-Tour-Vermarktung gepresst werden und dort verbrennen. Wer ihren ersten großen Schritt verfolgt hat, kennt das Bild bereits aus dem Artikel The Voice Star startet durch.

Wo es „Wenn du Lachst“ zu hören gibt – Streaming, Download, YouTube

Der Song ist auf allen relevanten Plattformen verfügbar. Für Fans, die nicht nur kurz reinhören, sondern den Song in ihre Playlists aufnehmen wollen, ist Spotify erfahrungsgemäß die beste Wahl – die Algorithmen von Spotify pushen bei wachsenden Künstlern mehr als Apple Music oder Deezer. Wer Luna nachhaltig unterstützen möchte, kauft den Track lieber bei iTunes oder Amazon Music; dort fließen pro Verkauf deutlich höhere Beträge an die Künstlerin als bei reinen Stream-Royalties.

• iTunes – Download in hoher Audioqualität
• Spotify – inkl. Playlist-Funktion und algorithmischer Reichweite
• Deezer – HiFi-Streaming für Audiophile
• Amazon Music – ideal für Prime-Mitglieder

Musikvideo – Wenn du Lachst (Deutsch)

Das Video ist visuell bewusst reduziert. Keine teuren CGI-Effekte, kein überproduziertes Konzept, sondern ehrliche Inszenierung – das passt zur Aussage des Songs. Genau dieser ungeschliffene Charme ist es, der bei der Zielgruppe besser funktioniert als jedes Hochglanz-Format.

Style, Image und Mode – Luna als junge Stilikone

Was bei Luna Farina auffällt: Sie inszeniert sich modisch nicht als Erwachsene, sondern bleibt bei dem, was zu ihrem Alter passt – und macht das richtig gut. Casual Streetwear, Sneaker-Statements, klare Farbblöcke statt überstylter Glamour-Looks. Diese Linie ist authentisch, und sie passt zu den Marken, die ihre Generation tatsächlich trägt: Labels wie NA-KD, Pimkie oder Nike dominieren den Kleiderschrank ihrer Altersklasse, nicht Luxus-Häuser wie Gucci.

Wie wir im Artikel zu Mode-Zitaten von Lagerfeld und Chanel bereits gezeigt haben, lebt Stil davon, dass er zur Person passt – und nicht davon, dass möglichst teure Logos zur Schau gestellt werden. Luna verkörpert diesen Grundsatz in einer Phase, in der viele junge Künstler dem Druck nachgeben, sich in Designerklamotten zwängen zu lassen, die ihnen weder finanziell noch stilistisch entsprechen.

Songwriting mit 14 – wie realistisch ist das?

Skeptiker fragen oft: Schreibt eine 14-Jährige wirklich ihre Songs selbst? Die Antwort lautet: Ja, und sie tut es besser als viele Erwachsene. Songwriting im Pop ist keine Frage des Alters, sondern der emotionalen Klarheit – und genau die haben Teenager oft im Übermaß. Billie Eilish schrieb „Ocean Eyes“ mit 13. Lorde war 16, als „Royals“ weltweit auf Platz eins ging. Daniel Küblböck textete bereits als Teenager. Das Klischee, junge Künstler bräuchten ein Songwriter-Team aus Skandinavien, ist eines der hartnäckigsten Märchen der Branche.

Bei Luna funktioniert das Familienmodell, weil die Aufgabenverteilung klar ist: Sie bringt den Text und die emotionale Substanz, ihr Vater die musikalische Architektur. Das ist ein Konzept, das in der Popgeschichte oft funktioniert hat – von den Jacksons bis zu den Carpenters.

Warum dieser Release wichtig für die deutsche Pop-Szene ist

Deutschland hat ein strukturelles Problem in der Pop-Musik: Während Länder wie Schweden, Großbritannien oder die USA über funktionierende Pipelines für junge Talente verfügen, fallen deutsche Nachwuchskünstler oft zwischen zwei Stühlen. Entweder sie werden zu schnell auf Schlager-Schiene getrimmt oder direkt in den englischsprachigen Markt gedrängt, wo sie als deutsche Acts kaum Chancen haben.

Luna Farina geht den dritten Weg: deutschsprachiger, zeitgemäßer Pop für eine junge Zielgruppe – ein Genre, in dem es seit Jahren überraschend wenig Konkurrenz gibt. Wer hier konsequent bleibt, kann eine Lücke besetzen, die seit Jahren offen ist. Das macht „Wenn du Lachst“ auch industriell relevant: nicht als Einzelsong, sondern als Statement.

Was als Nächstes kommt

Die City Tour im Sommer wird zeigen, wie tragfähig die Live-Performance ist – der Punkt, an dem viele Nachwuchskünstler scheitern. Wer es schafft, ein Publikum für 60 bis 90 Minuten zu halten, hat den schwierigsten Test bestanden. Für Fans bedeutet das: Tickets früh sichern, denn die Termine sind bewus

Vom SoundCloud-Underdog zum Trap-Phänomen: Wer ist Smokepurpp wirklich?

Omar Jeffery Pineiro, geboren am 15. Mai 1997 in Chicago und aufgewachsen in Miami, Florida, gehört zu jener Riege von Rappern, die das Major-Label-System schlicht ignorierten — und genau deshalb erfolgreich wurden. Er begann 2015 zu rappen, eher aus Langeweile als aus Berufung, wie er in mehreren Interviews betonte. Sein erster viraler Hit „Ski Mask“ wurde von einem damals noch unbekannten Produzenten namens Ronny J gebaut — heute einer der meistgefragten Beatmaker im US-Rap, mit Credits für Kanye West, Eminem und Denzel Curry.

Was Smokepurpp von vielen seiner SoundCloud-Kollegen unterscheidet: Er war einer der Ersten, der die Verbindung zwischen Trap-Sound und High-End-Markenästhetik konsequent ausreizte. „Audi“ ist kein Song über ein Auto — es ist ein Manifest. Drei Minuten Hook über deutsche Ingenieurskunst, mit Ad-libs, die klingen, als würde jemand auf Codein durch einen Showroom in Stuttgart laufen. Diese fast schon manische Markenfixierung teilen sich SoundCloud-Rapper mit der Streetwear-Generation — und mit Häusern wie Gucci, das in ähnlichen Songs gefühlt häufiger erwähnt wird als in den Marketing-Briefings der Marke selbst.

Die Hits im Detail: Warum „Audi“ und „Ski Mask“ mehr sind als Memes

„Ski Mask“ erschien Anfang 2017 und sammelte auf SoundCloud über 50 Millionen Plays, bevor der Track jemals offiziell auf Spotify oder Apple Music landete. Der Beat ist ein Lehrstück in Reduktion: ein dunkler, fast schon doom-artiger Synth-Loop, eine simple 808-Linie, kaum Hi-Hats — alles auf Smokepurpps Stimme zugeschnitten. Der Song wurde zum Soundtrack einer ganzen Sub-Kultur, die Sturmhauben und Designer-Pieces gleichermaßen feierte.

„Audi“ folgte wenige Monate später und übertraf den Vorgänger noch. Die Hook — vier Wörter, endlos repetitiv — wurde zum Tiktok-Vorläufer, lange bevor TikTok in den USA explodierte. Bis heute hat der offizielle Song über 200 Millionen Streams auf Spotify gesammelt. Was viele nicht wissen: Der Track entstand in einer Session, die laut Smokepurpp „keine vier Stunden“ gedauert hat. Spontaneität als Markenkern — eine Eigenschaft, die er mit anderen Trap-Größen wie Lil Pump teilt, mit dem zusammen er das Duo „Nephew“ bildet.

Smokepurpp – Top Songs im Überblick

• Audi (2017) – Sein kommerzieller Durchbruch, über 200 Millionen Spotify-Streams
• Ski Mask [Explicit] (2017) – Der SoundCloud-Klassiker, produziert von Ronny J
• Nephew (feat. Lil Pump) – Zwei Stimmen, die sich akustisch gegenseitig befeuern
• 123 (Smokepurpp x Murda Beatz) – Beat-Visitenkarte des kanadischen Star-Produzenten
• Phantom – Atmosphärischer Spätwerk-Track, dunkler und melodischer als die frühen Hits

Smokepurpp – Top Alben & Mixtapes

• Deadstar (September 2017) – Sein offizielles Major-Debüt, Platz 42 der US Billboard 200
• Bless Yo Trap (mit Murda Beatz, 2018) – Reine Producer-Tape-Energie
• Lost Planet (2018) – Der Versuch, sich vom reinen SoundCloud-Image zu lösen
• Deadstar 2 (2019) – Fortsetzung, die polarisierte: Fans liebten oder hassten den weicheren Sound
• Florida Jit (2020) – Kompromisslose Rückkehr zum Miami-Trap

Smokepurpp x Lil Pump – „Nephew“ und die Chemie eines Rap-Duos

Wenige Kollaborationen im modernen Rap funktionieren so reibungslos wie die zwischen Smokepurpp und Lil Pump. Beide kommen aus Miami, beide haben einen ähnlichen Werdegang über SoundCloud, beide tragen ihre Markenobsession offen wie eine Uniform. „Nephew“ ist das Kondensat dieser Freundschaft: ein Track, der mit minimalsten Mitteln auskommt und genau deshalb funktioniert.

Refrain zu Smokepurpp – Nephew ft. Lil Pump

If I see you, I’ma wet you, hit you and your nephew (brrat, brrat)
Came in with a big drum, wet you like a stencil
L-line a nigga up just like a pencil (like a pencil)
L-l-let you hold my flow, yeah I just blessed you (just blessed you)
I just fucked up five racks, dropped it on a jacket (on a jacket)
Yoppa fold a nigga like a pamphlet (yeah, brrat, brrat)
Uzi make ‚em JuJu (ooh), he thought it was voodoo (hit them, folks)
F-f-fuck the bitch one time, she said that I’m rude (I’m rude)

Die Zeile „I just fucked up five racks, dropped it on a jacket“ ist ein Lehrbuch-Beispiel für das Selbstverständnis dieser Rap-Generation: 5.000 Dollar für ein einziges Kleidungsstück sind kein Luxus, sondern Standard. Wer die Codes dieser Markenwelt entschlüsseln will, sollte sich parallel mit Häusern wie Prada und der italienischen Mode rund um Dolce & Gabbana auseinandersetzen — beide tauchen in den Lyrics dutzender Trap-Songs auf, oft mit präzisen Kollektionsverweisen.

Smokepurpp x Murda Beatz – „123“ und die Producer-Connection

Murda Beatz, kanadischer Star-Produzent hinter Hits für Drake, Migos und Travis Scott, hat 2018 mit Smokepurpp ein komplettes Mixtape namens „Bless Yo Trap“ veröffentlicht. „123“ ist die Single dieses Projekts und zeigt eindrucksvoll, was passiert, wenn ein Top-Tier-Producer einem Rapper vollen Raum gibt.

Der Beat ist heller, melodischer, fast schon poppig — und Smokepurpp passt sich an, ohne seinen Stil zu verlieren. Genau diese Wandlungsfähigkeit ist der Grund, warum er bis heute relevant bleibt, während viele seiner SoundCloud-Kollegen längst aus dem Rampenlicht verschwunden sind.

Smokepurpp „Audi“

Smokepurpp und der Modecode der Trap-Generation

Wer Smokepurpps Videos und Auftritte aufmerksam verfolgt, sieht ein wiederkehrendes Vokabular: oversized Hoodies, Designer-Sneaker, Sonnenbrillen unabhängig vom Wetter, Tattoos im Gesicht. Die Ästhetik ist eine direkte Verlängerung der Lyrics. Vans, BAPE, Off-White und Balenciaga tauchen auf — aber auch sportliche Marken wie Nike und Puma, die längst in der Hip-Hop-Mode angekommen sind. Wie wir im Artikel zu Herrenmode und aktuellen Trends zeigen, hat genau diese Vermischung von Streetwear und Luxus die Männermode der vergangenen Jahre geprägt — von der Pariser Fashion Week bis zur Stange beim deutschen Online-Händler.

Spannend ist auch der Einfluss auf jüngere Konsumentinnen und Konsumenten: Die animal-print-lastigen Looks vieler Trap-Videos haben dazu beigetragen, dass Tiermuster wie Leopard und Zebra nach Jahren in der Versenkung wieder zum festen Bestandteil saisonübergreifender Kollektionen wurden. Auch der Boom rund um Designer-Jeans-Marken mit hohen Preisschildern ist ohne den kulturellen Druck dieser Rap-Generation kaum denkbar.

Interviews mit Smokepurpp – Drei Pflichttermine für Fans

Wer Smokepurpp als Person verstehen will, kommt an drei Interviews kaum vorbei. Sie ze

Vom Castingshow-Liebling zur eigenen Marke

Wer Luna Farina zum ersten Mal sah, erinnert sich meistens an genau diesen einen Moment: „The Voice Kids“, Lena Meyer-Landrut dreht ihren Stuhl, Gänsehaut im Studio. Was viele nicht wissen: Luna stand wenige Monate später auch im italienischen Finale des Formats – ein Detail, das ihre Doppelidentität als Deutsch-Italienerin perfekt zusammenfasst. Sie pendelt zwischen zwei Musikmärkten, zwei Modeszenen, zwei Mentalitäten. Und genau diese Doppelung macht sie für Beobachter der Branche so interessant.

Während andere Castingshow-Talente nach der Sendung in der Bedeutungslosigkeit verschwinden, hat Luna konsequent ihren eigenen Weg gebaut: eigene Songs, eigene Musikvideos, Live-Auftritte, eine wachsende Community. Das ist keine Selbstverständlichkeit. Von den hunderten Kindern, die in den letzten zehn Jahren bei „The Voice Kids“ oder vergleichbaren Formaten auftraten, schaffen es schätzungsweise weniger als fünf Prozent, eine nachhaltige Karriere aufzubauen. Luna gehört zu dieser kleinen Gruppe – und das nicht durch Glück, sondern durch Disziplin.

Merchandise als Statement: Warum Hoodies mehr sind als Werbung

Merchandise ist in der Musikbranche kein Nebenprodukt mehr, sondern oft die Haupteinnahmequelle. Während Streaming-Plattformen Künstlern Bruchteile von Cents pro Play zahlen, generiert ein Hoodie für 45 Euro echte Marge. Billie Eilish, Travis Scott, Bad Bunny – sie alle verdienen einen erheblichen Teil ihres Einkommens über Merch. Bei Luna Farina ist die erste Kollektion bewusst klein gehalten: Hoodies, Shirts, Basics. Kein Schnickschnack, keine Limited-Drop-Hysterie. Die Pieces sind tragbar, alltagstauglich, klar designt.

Das ist eine kluge Entscheidung. Wer als junger Künstler zu früh mit überproduzierten Streetwear-Konzepten startet, riskiert, dass die Ware in Lagerhallen liegt. Luna setzt stattdessen auf Wiedererkennung: Logo, Schriftzug, sauberer Schnitt. Das ist näher an dem, was man von etablierten Modemarken kennt – und genau dieser Vergleich ist gewollt. Wer die Übersicht aller Modemarken studiert, sieht: Die erfolgreichsten Brands sind die mit der klarsten visuellen Sprache. Luna lernt früh, was viele Designer erst nach Jahren begreifen.

Italienische Wurzeln, internationaler Anspruch

Dass Luna Italienerin ist, ist kein Marketing-Beiwerk, sondern strukturell wichtig. Italien ist – neben Frankreich – das Mode-Land Europas. Mailand ist nicht zufällig einer der vier großen Fashion-Week-Standorte weltweit, und die Mailänder Fashion Week setzt jedes Jahr Trends, die Monate später bei Zara und H&M ankommen. Wer in Italien aufwächst, wächst mit einem anderen Verhältnis zu Kleidung auf. Stoff, Schnitt, Passform – das sind keine Designdetails, sondern Alltagsgespräche am Esstisch.

Luna hat erzählt, dass sich bereits zwei Designerinnen für sie interessiert haben, deren Kleider von Heidi Klum und Cara Delevingne getragen werden. Diese Verbindung ist nicht zufällig: Italienische Atelier-Designerinnen suchen oft junge Gesichter, die ihre Mode auf Social Media tragen, ohne dass es nach Werbung aussieht. Es ist ein Tausch: Sichtbarkeit gegen Glaubwürdigkeit. Wie wir im Artikel zu „Model werden – Tipps und Casting“ zeigen, ist genau dieser Mechanismus heute oft der schnellste Weg in die Mode-Industrie – schneller als klassische Agenturwege.

„Mode ist für mich genauso wichtig wie Musik. Beides sind Sprachen, die ich gleichzeitig spreche – und manchmal sagt ein Outfit mehr als ein Songtext.“

Die geplante Modekollektion 2019: Was wir wissen

Die Merch-Linie ist erklärtermaßen nur der Auftakt. 2019 soll Lunas erste eigene Modekollektion erscheinen – und das ist ein qualitativ anderer Schritt. Merch ist Branding-Tool, Kollektion ist Designarbeit. Hier muss Luna entscheiden: Welche Stoffe? Welche Schnitte? Welche Preisklasse? Welche Zielgruppe? Eine 16-jährige Sängerin spricht primär Teenager und junge Frauen an – das bedeutet realistisch einen Preispunkt zwischen 30 und 90 Euro pro Piece, nicht Luxus-Niveau wie Gucci oder Prada.

Was die Richtung angeht, lassen sich aus Lunas bisherigem Style-Profil Rückschlüsse ziehen: oversized Silhouetten, sportliche Elemente, italienische Eleganz, klare Farben. Das könnte eine spannende Mischung werden – irgendwo zwischen den jungen Linien von NA-KD und der spielerischen Ästhetik kleinerer italienischer Labels. Wenn die Kollektion gut wird, könnte sie über deutsche und italienische Online-Shops parallel laufen – ein Zwei-Märkte-Ansatz, den viele Newcomer-Brands scheuen, weil er logistisch komplex ist.

Was Luna Farina richtig macht – und worauf sie achten muss

Aus redaktioneller Sicht: Luna macht vieles richtig. Sie veröffentlicht regelmäßig, sie zeigt Persönlichkeit, sie überzieht nicht. Ihre Community wächst organisch, nicht durch zugekaufte Reichweite. Das merkt man an den Engagement-Raten: Wer ihre Posts vergleicht, sieht überdurchschnittlich viele echte Kommentare im Verhältnis zu Likes – ein Indikator, den Marketingagenturen ernster nehmen als reine Followerzahlen.

Worauf sie achten muss: Tempo. Junge Künstler werden oft zu früh in zu viele Projekte gedrängt. Musikvideo, Tour, Kollektion, Buch, Parfum – die Liste der „Erweiterungen“ ist lang. Wer hier nicht aufpasst, verwässert die eigene Marke. Lunas Stärke ist gerade, dass sie Schritt für Schritt aufbaut: erst Musik, dann Live, dann Merch, dann Kollektion. Diese Reihenfolge macht inhaltlich Sinn und sollte nicht durch Marketing-Druck aus dem Takt geraten.

Update: Inzwischen gibt es auch das neue Musikvideo „Wenn du lachst“ von Luna Farina – ein weiterer Beleg dafür, dass die musikalische Seite parallel zur modischen weiterläuft und nicht durch das Merch-Projekt verdrängt wird. Genau diese Balance ist es, die Luna von vielen Influencer-Sängerinnen unterscheidet, bei denen am Ende nur noch das Produkt zählt.

Was das für junge Künstlerinnen bedeutet

Luna Farinas Weg ist exemplarisch für eine ganze Generation. Wer heute mit 16, 17, 18 in den Markt einsteigt, muss multidisziplinär denken: Musik, Mode, Social Media, Live-Performance, Brand Building. Das ist anspruchsvoll, aber auch durchlässiger als früher. Plattenverträge sind nicht mehr der einzige Türöffner. Wer eine Community aufbaut, kann Produkte direkt verkaufen, eigene Ästhetik entwickeln, eigene Kollektionen launchen.

Für junge Leserinnen, die selbst in Mode oder Musik einsteigen wollen, lohnt sich der Blick auf Lunas Strategie. Anstatt auf den großen Durchbruch zu warten, baut sie kontinuierlich kleine Bausteine: ein Song, ein Video, ein Hoodie, ein Auftritt. Genau dieser Ansatz wird auch in unserem Guide zu aktueller Mode deutlich – Erfolg in der Modebranche kommt selten durch einen Big Bang, sondern durch konsequente Wiederholung mit Variation.

Die Pieces der ersten Merch-Linie im Überblick

• Hoodies in klassischen Farben mit Logo-Stickerei
• Shirts mit Schriftzug, unisex-tauglich geschnitten
• Basics, die sich in den Alltag integrieren lassen
• Geplant: Caps und Accessoires als Ergänzung
• Vertrieb: Lunas eigener Shop, perspektivisch international

Fazit: Eine Karriere, die man im Au

]]> https://fivmagazine.de/harder-than-ever-lil-baby-und-sein-erfolg/ Sun, 11 Nov 2018 23:00:00 +0000 https://fivmagazine.com/?p=37011 Im Mai 2018 wurde aus einem Ex-Häftling aus dem Atlanta-Stadtteil Oakland City innerhalb weniger Wochen ein Charts-Phänomen: Dominique Armani Jones, besser bekannt als Lil Baby, brachte sein Debütalbum Harder Than Ever heraus — ein Projekt, das er erst rappte, nachdem ihn Freunde wie Young Thug und Quality-Control-Boss Pierre „Pee“ Thomas regelrecht ins Studio gezerrt hatten. Bis heute ist Lil Baby einer der wenigen Rapper, die ihre Karriere offen als Alternative zum Drogenhandel beschreiben — und genau diese Authentizität ist der Grund, warum seine Tracks zwischen Atlanta-Trap, Designer-Mode und Streaming-Algorithmen so brutal funktionieren. Wer seine Outfits zwischen Dior, Off-White und Louis Vuitton verfolgt, sieht: Hier trifft Straße auf Couture — ein Spannungsfeld, das wir auch in unserer großen Übersicht aller Modemarken immer wieder antreffen.

Vom Knast zum Quality-Control-Deal: Die wahre Geschichte hinter „Harder Than Ever“

Lil Baby wurde am 3. Dezember 1994 in Atlanta geboren, wuchs ohne Vater auf und verließ die Schule in der neunten Klasse. Bevor er Rapper wurde, saß er zwei Jahre im Gefängnis — eine Phase, die er später als Wendepunkt bezeichnete. Erst nach seiner Entlassung 2017 begann er ernsthaft zu rappen, gepusht von seinen Jugendfreunden, die längst bei Quality Control Music unter Vertrag standen. Innerhalb eines Jahres nahm er vier Mixtapes auf — Perfect Timing, Harder Than Hard, Too Hard und 2 The Hard Way mit Marlo. Diese Frequenz ist kein Zufall: Lil Baby gilt als einer der schnellsten Schreiber der Szene, viele Songs entstehen in einem einzigen Take ohne geschriebene Lyrics — eine Technik, die er sich von Young Thug abgeschaut hat.

Harder Than Ever erschien am 18. Mai 2018 bei Quality Control / Motown / Capitol und stieg auf Platz 3 der Billboard 200 ein. Der Track „Yes Indeed“ mit Drake — der ihn in einem Atlanta-Studio entdeckte und sofort einen Feature-Verse aufnahm — kletterte auf Platz 6 der Billboard Hot 100 und hielt sich 25 Wochen in den Charts. In der Schweiz reichte es für Platz 94, in den UK Singles Charts knackte später vor allem „Drip Too Hard“ die Top 30 mit Platz 28 und acht Wochen Verweildauer. Der Sound: minimalistische 808s, glitzernde Synths von Produzenten wie Wheezy und Quay Global, dazu Lil Babys charakteristisch heisere Stimme, die nie schreit, sondern flüstert und trotzdem Druck macht.

Die Top-Songs — und warum „Drip Too Hard“ der eigentliche Game-Changer war

Wer Lil Baby kennenlernen will, sollte nicht mit den offensichtlichen Hits anfangen, sondern mit der Reihenfolge, in der er Atlanta eroberte:

• Yes Indeed (mit Drake, 2018) — der kommerzielle Durchbruch, der ihn aus der Trap-Nische in den Mainstream katapultierte.
• Drip Too Hard (mit Gunna, 2018) — vom Joint-Album Drip Harder, dreifach Platin in den USA, der Track, der Lil Babys Stimmfarbe für eine ganze Generation definierte.
• Close Friends (2018) — die emotionale Seite: ein Liebeslied, das ohne Kitsch funktioniert, weil er es eben nicht singt, sondern zwischen Melodie und Sprechgesang balanciert.
• Freestyle (2017) — der Track, der ihn auf den Radar brachte, mit dem berühmten Video aus dem Atlanta Trap House.
• My Dawg (2017) — eine Hommage an seine Crew und einer der ersten Songs, der zeigte, dass dieser Newcomer mehr ist als ein weiterer Quality-Control-Signing.

Dass „Drip Too Hard“ gerade in Großbritannien stärker einschlug als in den USA, hat einen kulturellen Grund: Die UK-Drill-Szene, die zur gleichen Zeit explodierte, adaptierte Lil Babys melodischen Atlanta-Trap als Gegenpol zu ihren eigenen düsteren Beats. Dass auch Mode dabei eine zentrale Rolle spielt, ist kein Zufall — Hip-Hop und Luxuslabel sind heute untrennbar, ein Thema, das wir in unserem Beitrag zu aktueller Herrenmode ausführlich beleuchten.

Der Refrain, der zur Hymne wurde

Drip too hard, don’t stand too close
You gon‘ fuck around and drown off this wave
Doing all these shows, I’ve been on the road
I don’t care where I go, long as I get paid
Bad lil‘ vibe, she been on my mind
Soon as I get back, she gettin‘ slayed
Do this all the time, this ain’t no surprise
Every other night, another movie gettin‘ made

Was diesen Hook so klebrig macht, ist nicht der Inhalt — das ist klassische Trap-Prahlerei — sondern die Kadenz. Lil Baby legt die Betonung auf die zweite Silbe von „drown“, zieht „wave“ hinaus, und das Wort „drip“ wird zur Markenidentität. „Drip“ als Slang für extravagantes, designerlastiges Outfitting wurde durch diesen Track endgültig globaler Wortschatz — heute hört man ihn von Tokio bis Berlin in jeder zweiten Mode-Caption auf Instagram.

Lil Babys Style: Dior, Louis Vuitton und der Atlanta-Designer-Look

Wer Lil Babys Instagram-Feed scrollt, sieht ein wiederkehrendes Muster: Dior B22 Sneakers, Louis Vuitton Trio Messenger Bags, AMIRI Jeans, Off-White Industrial Belts und über allem schwere Cuban Links und VVS-Diamanten. Besonders auffällig ist seine Treue zu Dior — er trug in mehreren Musikvideos komplette Looks aus der Kim-Jones-Ära, und beim BET Awards 2020 erschien er in einem Dior-Suit, der ihn von der Bühne direkt auf die internationalen Best-Dressed-Listen brachte. Wer tiefer in das Universum dieses Hauses einsteigen will, findet bei uns Hintergründe zu Christian Dior sowie zu Dior Taschen und Dior Beauty.

Die zweite Konstante in seinem Stil: italienische Maximalisten. Dolce & Gabbana und Gucci tauchen in seinen Videos so oft auf, dass man fast eine Brand-Charts erstellen könnte. Anders als viele seiner Kollegen meidet Lil Baby offensive Tiermuster wie Leopard oder Zebra — sein Look bleibt monochrom, technisch, fast architektonisch. Das macht ihn modisch interessanter als die Hälfte seiner Atlanta-Crew.

„My Turn“, George Floyd und die politische Wende

Im Februar 2020 erschien My Turn, sein zweites Studioalbum — und es wurde zum meistverkauften Rap-Album des Jahres in den USA. Es debütierte auf Platz 1 der Billboard 200 und kehrte nach dem Tod von George Floyd im Mai 2020 nochmals an die Spitze zurück, weil Lil Baby den Protest-Track „The Bigger Picture“ veröffentlichte. Der Song verkaufte in der ersten Woche über 100.000 Einheiten und wurde für zwei Grammy Awards nominiert, darunter „Best Rap Performance“. Das war der Moment, in dem aus einem Trap-Star ein kulturell ernstzunehmender Künstler wurde — vergleichbar mit dem Sprung, den Kendrick Lamar 2015 mit „Alright“ machte.

Wie wir im Artikel zu großen Mode-Zitaten von Lagerfeld bis Chanel zeigen, sind es oft solche Schlüsselmomente — ein Satz, eine Performance, ein Bild — die einen Künstler vom Trend zur Ikone machen. Bei Lil Baby war es nicht ein Mode-Statement, sondern ein politisches: das Music Video zu „The Bigger Picture“, gedreht in den Straßen von Atlanta während laufender BLM-Proteste.

Charts-Bilanz im Überblick

Song	Chart	Höchstposition	Wochen
Yes Indeed (feat. Drake)	USA Billboard Hot 100	6	25
Yes Indeed	Schweiz	94	1
Drip Too Hard (mit Gunna)	UK Singles Chart	28	8
Drip Too Hard	USA Billboard Hot 100	4	30+
The Bigger Picture	USA Billboard Hot 100	3	20+
We Paid (mit 42 Dugg)	USA Billboard Hot 100	10	20+

Shopping mit Lil Baby — wenn Rap zur Marketing-Maschine wird

Die berühmten „Shopping with Lil Baby“-Videos auf YouTube — gedreht meist in Beverly Hills oder im Saks Fifth Avenue in Atlanta — sind ein unterschätztes Phänomen. In einem Clip gibt er an einem Nachm

]]> https://fivmagazine.de/gunna-rap-trap-und-songwriting/ Thu, 11 Oct 2018 22:00:00 +0000 https://fivmagazine.com/?p=37013 Als Sergio Giavanni Kitchens 2016 in Atlanta seinen ersten Vertrag bei Young Thugs Label YSL Records unterschrieb, kannte ihn außerhalb der Atlanta-Bubble niemand. Sechs Jahre später hatte er ein Nummer-eins-Album in den US Billboard 200, eine RICO-Anklage am Hals und einen Plea-Deal, der die Hip-Hop-Welt spaltete. Gunna ist heute weniger ein Rapper als ein Symbol – für die melodische Trap-Welle, für YSL und für die Frage, wie weit Loyalität in der Rap-Industrie geht. Wer Trap ernst nimmt, kommt an seinem Katalog nicht vorbei – ähnlich wie wir es im Artikel zu Herrenmode beschreiben, ist Stil hier nie nur Sound, sondern Haltung, Sprache und Auftritt zugleich.

Vom College-Dropout zum YSL-Aushängeschild

Geboren am 14. Juni 1993 in College Park, Georgia, wuchs Gunna im Süden Atlantas auf – dem Epizentrum der modernen Trap-Musik. Die Stadt, in der Gucci Mane, Future, Migos und Young Thug das Genre der späten 2010er praktisch im Alleingang neu definiert haben, prägt jede Silbe seiner Musik. Den Künstlernamen „Gunna“ gab ihm sein älterer Bruder, lange bevor an eine Karriere zu denken war. 2013 begann er auf eigenen Mixtapes Songs zu veröffentlichen, doch der Wendepunkt kam erst, als Young Thug ihn 2016 auf den Track „Floyd Mayweather“ einlud – gemeinsam mit Travis Scott und Gucci Mane. Wer in dieser Liga sein erstes Feature bekommt, hat entweder Glück oder Talent. Bei Gunna war es beides.

Was ihn von der Masse junger Atlanta-Rapper unterscheidet, ist seine Stimme: ein dünner, fast geflüsterter Singsang, der über die typischen 808-Drums und triolischen Hi-Hats schwebt. Während Lil Baby aggressiv vorträgt und Future melancholisch dröhnt, klingt Gunna entspannt bis arrogant – ein Markenzeichen, das ihn zur idealen Ergänzung für Lil Baby machte. Beide Stimmen verzahnen sich, statt sich zu überlagern.

Drip Harder – wie ein Gemeinschaftsalbum die Trap-Szene neu kalibrierte

Am 5. Oktober 2018 erschien „Drip Harder“, das gemeinsame Album mit Lil Baby. Es debütierte auf Platz 4 der Billboard 200 und wurde später mit Platin ausgezeichnet. Der Track, der alles veränderte: Drip Too Hard. In den USA kletterte der Song bis auf Platz 4 der Hot 100 und hielt sich sieben Wochen in den Charts, in UK acht Wochen mit einem Peak auf Platz 28. Bemerkenswert: Es war das erste Mal, dass zwei junge Atlanta-Rapper außerhalb des klassischen Pop-Features einen genuinen Crossover-Hit landeten – ohne Drake, ohne Pop-Hook.

„Drip Harder“ funktioniert deshalb so gut, weil es kein klassisches Joint-Album im Sinne von „jeder seinen Vers“ ist. Stattdessen wechseln sich Lil Baby und Gunna ab, übernehmen Hooks gegenseitig, sprechen sich gegenseitig im Outro an. Wheezy als Hauptproduzent gibt der Platte einen einheitlichen Sound: kalte Synths, warme Bässe, kein Filler. In einer Zeit, in der die meisten Rap-Alben künstlich auf 22 Tracks aufgebläht werden, sind 13 Songs in 46 Minuten fast schon eine Aussage.

Die wichtigsten Alben im Überblick

Album	Jahr	Highlight	US-Charts
Drip Season	2016	Mixtape, Eigenrelease	—
Drip Season 2	2017	„Almighty“, „Sold Out Dates“	—
Drip Season 3	2018	„Oh Okay“ (mit Young Thug & Lil Baby)	#79
Drip Harder (mit Lil Baby)	2018	„Drip Too Hard“	#4
Drip or Drown 2	2019	„One Call“	#3
WUNNA	2020	„Skybox“, „Dollaz on My Head“	#1
DS4Ever	2022	„Pushin P“	#1
a Gift & a Curse	2023	„fukumean“	#9

Oh Okay – das Trio, das Atlanta zeigte, wie Features funktionieren

„Oh Okay“ mit Young Thug und Lil Baby (2018) ist heute fast ein Lehrbeispiel dafür, wie ein Drei-Rapper-Track nicht in einer Vers-Aneinanderreihung ertrinken muss. Jeder bringt eine eigene Energie: Gunna die kühle Hook, Lil Baby den straßennahen Vers, Young Thug seinen unverwechselbar verzerrten Auftritt. Der Beat – produziert von Wheezy – ist minimalistisch genug, um drei starke Stimmen Raum zu geben.

Audemar wrist, count it then spend it / Matted the coupe, and my windows tinted / Chop off the top, headed to Lenox / I got some cash, I wanna spend it / Roll with my slime, yeah that my lizard / Young Gunna Gunna, I’m in my prime / When it comes to business I’m handling mine / Yeah, I’ma kingface Patek my time

Was im ersten Hören wie reines Flexen klingt, ist auf der Textebene ein Lifestyle-Manifest: Audemars Piguet, Patek Philippe, Lenox Mall in Atlanta. Gunna ist einer der ersten Rapper seiner Generation, der Mode und Uhren nicht als Beigabe, sondern als Hauptthema setzt – ein Move, der ihn später bei Marken wie Gucci, Off-White und Louis Vuitton in die Front Row brachte. Wer sich mit dem Verhältnis von Rap und Mode beschäftigt, sollte parallel unseren Überblick zu Gucci und Prada lesen – beide Häuser haben in den letzten Jahren Atlantas Rap-Szene als Stilreferenz entdeckt.

Pushin P, WUNNA und der Sprung an die Spitze

Im Januar 2022 veröffentlichte Gunna „DS4Ever“ – das vierte Kapitel der Drip-Season-Reihe. Der Track „Pushin P“ mit Future und Young Thug wurde innerhalb weniger Tage zum globalen Meme. Die Buchstabenformel „P“ – grob übersetzt mit „etwas Echtes oder Loyales tun“ – schaffte es bis ins Twitter-Vokabular von Marketingteams und Politikern. DS4Ever debütierte auf Platz 1 der Billboard 200, sein zweites Nummer-eins-Album nach „WUNNA“ (2020).

„WUNNA“ – ein Akronym für „Wealthy Unapologetic N**** Naturally Authentic“ – ist der Punkt, an dem Gunna seine eigene Marke wird. Das Album entstand mitten in der Pandemie, debütierte trotz fehlender Touren auf Platz 1 und etablierte einen Stil, den Kritiker mittlerweile als „Luxury Trap“ bezeichnen: maximaler Mode-Bezug, minimale Aggression, melodische Hooks, die eher Pop-Songs als Drill-Tracks ähneln.

Der RICO-Fall und die Frage nach Loyalität

Im Mai 2022 änderte sich alles. Die Staatsanwaltschaft von Fulton County klagte 28 mutmaßliche YSL-Mitglieder unter dem RICO-Gesetz an – darunter Young Thug und Gunna. Der Vorwurf: YSL sei nicht nur ein Plattenlabel, sondern eine kriminelle Vereinigung. Gunna saß über sieben Monate in Untersuchungshaft. Im Dezember 2022 nahm er einen „Alford Plea“ an – ein juristisches Konstrukt, bei dem man die Strafe akzeptiert, ohne die Schuld einzugestehen.

Was folgte, war ein Sturm in der Rap-Community: Vorwürfe des „Snitchings“, Distanzierung von ehemaligen Wegbegleitern, Boykott-Aufrufe. Gunna selbst betont seither in jedem Interview, dass er niemanden belastet habe. Sein Album „a Gift & a Curse“ (Juni 2023) war die Antwort: Der Song „fukumean“ wurde sein bis dahin größter Solo-Hit und kletterte auf Platz 4 der Hot 100. Spätestens „One of Wun“ (2024) zeigte, dass das Publikum ihn nicht abgeschrieben hat – das Album debütierte auf Platz 5 der Billboard 200.

Gunnas Top-Songs – ehrlich sortiert

• Drip Too Hard (mit Lil Baby, 2018) – der definitive Track der Karriere, Platin in den USA
• Pushin P (mit Future & Young Thug, 2022) – kulturelles Phänomen weit über Rap hinaus
• fukumean (2023) – das Comeback-Statement nach der RICO-Pause
• Oh Okay (mit Young Thug & Lil Baby, 2018) – Lehrstück für Feature-Tracks
• Sold Out Dates (mit Lil Baby, 2017) – frühes Highlight, das die spätere Chemie ankündigte
• Skybox (2020) – melodischer Höhepunkt von WUNNA
• One Call (2019) – beweist, dass Gunna auch solo Hooks tragen kann

Stil

]]> https://fivmagazine.de/gold-link-grammy-top-hits-und-erfolgreichste-alben/ Fri, 11 May 2018 22:00:00 +0000 https://fivmagazine.com/?p=37014 21 Wochen in den US-Charts, Platz 45 in der Hot 100 und ein Feature mit Christina Aguilera, das ihn 2019 in der Kategorie „Best Rap/Sung Performance“ zu den Grammys brachte — D’Anthony Carlos, besser bekannt als GoldLink, ist einer dieser Artists, die Mainstream-Erfolg hatten, ohne je den Mainstream-Sound bedient zu haben. Sein Markenzeichen: ein nervöser, perkussiver Flow über Beats, die mehr nach Future Bounce, UK Funky und D.C. Go-Go klingen als nach klassischem Trap. Wer 2019 Hip-Hop hört, der mehr will als Auto-Tune und 808s, kommt an GoldLink nicht vorbei — und auch modisch ist er ein interessantes Beispiel dafür, wie sehr sich Rap-Style inzwischen von klassischer Herrenmode emanzipiert hat.

Vom anonymen SoundCloud-Mixtape zum Grammy-Kandidaten

GoldLink wurde 1993 in Washington D.C. geboren — ein Detail, das man kennen muss, um seine Musik zu verstehen. Die Hauptstadt ist nicht New York, nicht Atlanta, nicht L.A., sondern die Heimat von Go-Go: einem extrem perkussionslastigen Funk-Subgenre, das seit den 1970ern lokal dominiert. Diese DNA hört man in fast jedem GoldLink-Track. Sein Debüt-Mixtape „The God Complex“ erschien 2014 — komplett anonym, ohne Pressefoto, ohne Interviews. Erst nach dem Hype gab er sein Gesicht preis.

Was viele übersehen: GoldLink wurde vom legendären britischen DJ und Produzenten Rick Rubin sowie von Kaytranada gefördert, lange bevor er bei RCA unterschrieb. Sein zweites Projekt „And After That, We Didn’t Talk“ (2015) wurde von Pitchfork mit 8.0 bewertet — ein Wert, den Rapper selten bekommen, wenn sie nicht gerade Kendrick Lamar heißen. Damit war klar: Hier kommt jemand, der nicht in die übliche Schublade passt.

„At What Cost“ und der Crew-Effekt

Das Album, das GoldLink endgültig aus der Nische in die Charts katapultierte, ist „At What Cost“ (2017). Es ist ein Konzeptalbum über D.C. — über die Stadt, ihre Gentrifizierung, ihre Gewalt, ihre Soundkultur. Und es enthält „Crew“ feat. Brent Faiyaz und Shy Glizzy, den Song, der ihm Platinstatus bescherte und für den er 2018 zum ersten Mal für einen Grammy nominiert wurde (Best Rap/Sung Performance).

Der Refrain hat sich in die Köpfe einer ganzen Generation gefressen — auch deshalb, weil er trotz expliziter Sprache eine fast melancholische Melodie trägt:

I ain’t got no type (Nah)
Bad bitches is the only thing that I like
You ain’t got no life (Nah)
Cups with the ice and we do this every night
I ain’t check the price (I got it)
I make my own money so I spend it how I like
I’m just living life
And let my momma tell it nigga I ain’t living right (nope)

21 Wochen Chart-Präsenz mit einem Song, der im Kern ein zurückhaltender R&B-Track ist — das schafft kaum jemand. „Crew“ wurde zum Soundtrack des Sommers 2017 und ist bis heute der Track, an dem die meisten Hörer GoldLink zum ersten Mal entdecken.

Die wichtigsten Releases im Überblick

Jahr	Release	Format	Highlight
2014	The God Complex	Mixtape	Anonymer Release, Future-Bounce-Sound
2015	And After That, We Didn’t Talk	Studioalbum	Pitchfork 8.0, Kaytranada-Produktion
2016	And After That, We Didn’t Talk – The Remixes	Remix-EP	Neuinterpretationen mit Top-Produzenten
2017	At What Cost	Studioalbum	Platin-Hit „Crew“, D.C.-Konzeptalbum
2019	Like I Do (mit Christina Aguilera)	Single	Grammy-Nominierung 2019

Die Top-Songs, die man kennen sollte

• Crew — der Mainstream-Durchbruch, Platin-zertifiziert
• Rough Soul ft. April George — der versteckte Geheimtipp aus „At What Cost“
• Same Girl — clubtauglich, mit klarer UK-Garage-Referenz
• Last Night — der nachdenkliche Track für späte Stunden
• Got Friends ft. Miguel — eine der musikalisch komplexesten Kollaborationen

Die Aguilera-Kollaboration: Pop trifft Rap auf Augenhöhe

„Like I Do“ mit Christina Aguilera und Goldie Boutilier erschien 2018 auf Aguileras Comeback-Album „Liberation“ — und es war für viele die Überraschung des Jahres. Aguilera, die seit „Stripped“ und „Back to Basics“ kaum noch Chart-Hits hatte, wählte ausgerechnet GoldLink für eine ihrer prominentesten Singles. Das Ergebnis: eine Grammy-Nominierung 2019 in der Kategorie „Best Rap/Sung Performance“ — die zweite für GoldLink in Folge.

Was diese Kollaboration besonders macht: Sie funktioniert nicht nach dem üblichen Schema „Pop-Diva bucht Rapper für Street-Credibility“. Stattdessen klingt der Track wie ein echtes Aufeinandertreffen zweier Welten — Aguileras klassische Belt-Stimme über einem typisch zerhackten GoldLink-Beat. Der Track positioniert ihn endgültig als Rapper, der pop-tauglich ist, ohne sich anzubiedern.

GoldLinks Style: Skater, Streetwear, ein bisschen Highfashion

Ästhetisch ist GoldLink ein interessanter Fall. Statt der klassischen Rap-Uniform aus Diamant-Grills und Designer-Logos trägt er meist überdimensionierte Skate-Hoodies, vintage Workwear, Carhartt, alte Nike-Modelle und gelegentlich Pieces von Off-White oder Heron Preston. Damit gehört er zu der Generation Rapper (Tyler, the Creator, Frank Ocean), die Mode nicht über Preisschilder definieren, sondern über Subkultur-Referenzen.

Wer seinen Look nachstellen will, kommt mit einer guten Jeans, einem Vintage-Tee und passenden Sneakern weiter als mit Logo-Bombing. Wie wir im Artikel zu Tiermustern in der Streetwear zeigen, ist die wirkliche Bewegung im männlichen Style aktuell sowieso bei Print-Mixen und Vintage-Pieces — genau das Feld, in dem sich auch GoldLink bewegt. Bei Gucci-Auftritten oder Prada-Events sieht man ihn dagegen selten — was seinen Status als Underground-Liebling eher zementiert.

Warum GoldLink für Hip-Hop-Hörer wichtig ist

Die ehrliche Einschätzung: GoldLink ist kein Drake. Er wird nie hundert Millionen Streams pro Single generieren, und seine Alben werden nicht jede Woche im Radio laufen. Aber er ist genau das, was eine Szene braucht — ein Artist, der den Mainstream gestreift hat, ohne ihn je zu wollen. Sein Sound ist das Bindeglied zwischen Tribe-Called-Quest-Tradition, britischer Bass-Music und zeitgenössischem R&B. Wer Anderson .Paak mag, wer Brockhampton hört, wer Frank Ocean liebt, wird auch mit GoldLink etwas anfangen können.

Sein Einfluss auf jüngere Rapper aus D.C. ist außerdem nicht zu unterschätzen. Er hat die Stadt zurück auf die Hip-Hop-Karte gebracht — eine Stadt, die zwischen den Polen New York, Atlanta und L.A. sonst kaum Beachtung findet. Von dort aus ist es nur ein kleiner Schritt nach Norden — und wer sich für die Szene interessiert, sollte sich auch unseren Guide zu Mode und Shopping in New York sowie das Pendant zu Luxus-Shopping in New York anschauen, denn dort spielt sich vieles ab, was Rap-Mode global prägt.

GoldLink – Rough Soul ft. April George

GoldLink – Got Friends (Official Video) ft. Miguel

Interview mit GoldLink

Wer GoldLink mag, sollte auch das hören (und lesen)

GoldLink ist ein Tor zu einer ganzen Welt von Künstlern, die zwischen den Genres operieren. Wer tiefer einsteigen will, kommt an Kaytranada, Anderson .Paak, Masego, Brent Faiyaz und Smino nicht vorbei. Auch Connections zur Modewelt sind interessant: Viele dieser Artists werden inzwischen zu Front Rows der Fashion Week Mailand eingeladen — Musik und Mode verschmelzen auf einem Niveau, das es so vor zehn Jahren nicht gab.

Für alle, die sich ohnehin für Pop- und

]]> https://fivmagazine.de/j-cole-erfolgreicher-produzent-und-rapper/ Tue, 08 May 2018 22:00:00 +0000 https://fivmagazine.com/?p=37048 Als Jay-Z 2009 das Roc Nation-Label gründete, war J. Cole der erste Künstler, den er unter Vertrag nahm — ohne dass Cole zu diesem Zeitpunkt einen einzigen Charterfolg vorweisen konnte. Heute, über ein Jahrzehnt später, gehört der Rapper aus Fayetteville, North Carolina, zu den wenigen HipHop-Künstlern weltweit, deren Alben routinemäßig die Platin-Marke knacken — und das, obwohl er bis 2014 keinen einzigen Gast-Feature auf seinen Studioalben zugelassen hat. Diese stoische Eigenständigkeit ist der Schlüssel zu seinem Phänomen: J. Cole verkauft sich nicht über Hits, sondern über Haltung.

Vom College-Kid zum Roc Nation-Erstling: Wie Cole Jay-Z überzeugte

Jermaine Lamarr Cole wurde am 28. Januar 1985 auf einer US-Militärbasis in Frankfurt am Main geboren — ein Detail, das kaum jemand kennt. Seine Mutter, eine weiße Postangestellte, zog mit ihm und seinem Bruder zurück in die USA, nachdem sich der Vater (ein afroamerikanischer Soldat) frühzeitig aus der Familie zurückzog. In Fayetteville wuchs Cole in einfachen Verhältnissen auf, kaufte sich mit 14 seinen ersten Beat-Sampler und schrieb seine ersten Reime über instrumentale Loops von Canibus und Tupac.

Was Coles Aufstieg von dem anderer Rapper unterscheidet: Er ging zuerst aufs College. An der St. John’s University in New York schloss er 2007 mit einem Magna-Cum-Laude-Abschluss in Kommunikation und Wirtschaft ab — ungewöhnlich für einen Rapper, der sich gerade erst einen Namen machen will. Die Anekdote, wie er drei Stunden vor Jay-Z’s Studio in der Sommerhitze stand, um ihm ein Demo-Tape zu überreichen, und ignoriert wurde, ist Teil der HipHop-Folklore. Erst sein Mixtape The Warm Up (2009) brachte den Durchbruch — Jay-Z hörte es auf Empfehlung seines A&R Mark Pitts und unterschrieb Cole noch im selben Jahr.

Die Alben — eine ehrliche Einordnung

Wer J. Cole verstehen will, muss seine Diskografie nicht chronologisch hören, sondern thematisch. Hier eine Einordnung, die wir nach Hörbarkeit, Songwriting-Tiefe und kulturellem Impact gewichten:

Album	Jahr	US-Charts	Bemerkung
Cole World: The Sideline Story	2011	#1	Solides Debüt, aber noch nicht der „echte“ Cole
Born Sinner	2013	#1	Veröffentlicht am gleichen Tag wie Kanyes „Yeezus“ — und übertraf ihn nach 3 Wochen
2014 Forest Hills Drive	2014	#1	Sein Meisterwerk. Erstes Platin-Album ohne Features seit 1989
4 Your Eyez Only	2016	#1	Konzeptalbum über einen verstorbenen Freund — düster, persönlich
KOD	2018	#1	Drei Bedeutungen: Kids on Drugs / King Overdosed / Kill Our Demons
The Off-Season	2021	#1	Comeback nach 3 Jahren Pause — kompakter, härter

Unsere ehrliche Einschätzung: 2014 Forest Hills Drive ist nicht nur Coles bestes Album, sondern eines der wichtigsten Rap-Alben der 2010er. Songs wie Wet Dreamz, No Role Modelz und Love Yourz funktionieren als emotionale Trilogie über Adoleszenz, Selbstwert und Materialismus. Wer mit Cole anfangen will, sollte hier starten — nicht bei KOD, das musikalisch zwar moderner, aber thematisch kälter ist.

Die Texte — warum Cole polarisiert

J. Cole gilt in der HipHop-Community als „Rapper für Rap-Hörer, die keine Rap-Hörer sein wollen“. Das ist ein Vorwurf — und ein Kompliment zugleich. Seine Texte verzichten auf das Glamour-Vokabular des Trap-Rap und beschäftigen sich stattdessen mit Themen, die in der Modewelt selten Platz finden: Vaterabwesenheit, Klassenkampf, schwarze Männlichkeit, Drogensucht in der eigenen Familie.

„The good news is, n***a, you came a long way / The bad news is, n***a, you went the wrong way“ — J. Cole, „Love Yourz“ (2014)

Diese zwei Zeilen fassen sein gesamtes Werk zusammen. Cole ist der Rapper für Menschen, die Erfolg haben und trotzdem unglücklich sind. In einer Branche, in der High-End-Symbole wie rote Sohlen und Designer-Logos zur Sprache des Triumphs gehören, ist diese Anti-Haltung ein Statement.

J. Cole als Produzent — der unterschätzte Aspekt

Was viele Fans übersehen: Cole ist nicht nur Rapper, sondern auch einer der produktivsten Produzenten in seinem eigenen Katalog. Über 70 Prozent der Beats auf seinen Alben hat er selbst gebaut — eine Quote, die nur Kanye West und Pharrell erreichen. Auf 2014 Forest Hills Drive ist Cole bei 11 von 13 Tracks Co-Produzent oder alleiniger Produzent.

Auch sein Label Dreamville Records, gegründet 2007 und mittlerweile bei Interscope angedockt, hat Künstler wie J.I.D., Bas und Ari Lennox großgemacht. Die Revenge of the Dreamers III-Compilation (2019) entstand bei einer 10-tägigen Studio-Session in Atlanta mit über 300 geladenen Künstlern — eine Idee, die in der Branche bis dahin niemand so radikal umgesetzt hatte. Das Album erreichte Platin-Status.

Cole, Mode und Pop-Kultur — ein bewusst minimalistisches Verhältnis

Während Rapper wie Travis Scott Sneaker-Kollaborationen mit Nike machen oder Kanye West die Herrenmode mit Yeezy revolutioniert, hat J. Cole nie ein eigenes Modelabel gestartet. Sein Style ist demonstrativ unspektakulär: Champion-Hoodie, Carhartt-Jacke, schlichte Sneaker. Genau das macht ihn für eine bestimmte Zielgruppe so anziehend — er ist der Rapper für Menschen, die Jeans-Marken nach Qualität wählen, nicht nach Logo.

Trotzdem hat Cole Mode-Spuren hinterlassen: Sein Karohemd-und-Beanie-Look aus dem Power Trip-Video von 2013 wurde zur Uniform einer ganzen Generation von College-Studenten. Und seine Vorliebe für Nike-Klassiker (insbesondere die Air Max 1 und Air Force 1) prägte die Sneaker-Szene mehr, als er selbst zugeben würde.

Die Charts-Realität in Europa

Während Cole in den USA und UK ein Superstar ist, bleibt sein Erfolg in der DACH-Region erstaunlich gedämpft. Die nüchternen Zahlen:

• Österreich: Höchstplatzierung „KOD“ — Platz 70, eine Woche in den Charts
• Schweiz: „KOD“ — Platz 42, zwei Wochen
• UK: „KOD“ — Platz 17, drei Wochen
• USA: „Middle Child“ (2019) — Platz 4, 28 Wochen Top 40

Der Grund: Coles Texte sind dicht, lyrisch, oft regional verankert in der amerikanischen Schwarz-Weiß-Geschichte. Wer kein Englisch auf Muttersprachen-Niveau spricht, verliert die Hälfte der Pointen. In Frankreich oder Deutschland erreichen melodischere Rapper wie Drake oder Post Malone deshalb deutlich höhere Streamzahlen — eine Beobachtung, die wir auch in unserem Guide zu New York Mode und Kultur aufgegriffen haben, denn dort entsteht ein Großteil dessen, was später als globaler HipHop-Trend exportiert wird.

Top-Tracks für Einsteiger — unsere Reihenfolge

• No Role Modelz (2014) — der vielleicht meistgestreamte Cole-Song aller Zeiten, über 1,5 Milliarden Spotify-Plays
• Wet Dreamz (2014) — eine narrative Meisterleistung über das erste Mal
• Power Trip feat. Miguel (2013) — Coles eingängigster Hit, vierfach Platin in den USA
• Crooked Smile feat. TLC (2013) — Self-Love-Anthem, eines der wenigen Features auf seinen Alben
• Middle Child (2019) — Lyrisches Statement zur Generation zwischen Jay-Z und Kendrick Lamar
• ATM (2018) — Satire auf Geldgier mit ikonischem „Count it up“-Refrain

Das Interview-Phänomen „The Sheltuh“

Coles Interviews sind selten — und genau deshalb begehrt. Sein Gespräch mit Lil Pump 2018 in seinem Privatstudio „The Sheltuh“ wurde innerh

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