G-Star Raw auf der AYFW in Mailand

Das Markenmerkmal der G-Star Jeans darf in keiner Kollektion fehlen, so auch nicht in der neuen, die auf der AYFW in Mailand präsentiert wurde.

Die Show:

Hier ist die neue Kollektion auf dem Laufsteg in Mailand.

Der letzte Tag der AYFW startete mit #RethinkFashion by Perwoll.

G-Star Raw: Just the product

Die niederländische Jeans- und Modemarke G-Star Raw wurde 1989 in Amsterdam gegründet und ist besonders für ihre Jeans bekannt. Aber wusstest du eigentlich wofür das „Raw“ im Namen der Marke steht?! Dabei handelt es sich darum, dass die Jeans so unbehandelt wie möglich bleiben, also roh, wie „raw“. Die rauen, ungewaschenen Materialien bilden die Grundlage jeder Kollektion, Deswegen lautet der korrekte Name der Marke G-Star Raw, auch wenn sie eher nur unter G-Star bekannt ist.

Erste Reihe und Black Carpet

In der ersten Reihe besuchten die Show unter anderem die Content Creator Millane Friesen und von den Elevator Boys Bene Schulz und Julian Braun.

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Außerdem auf dem Black Carpet Kayla Shyx.

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Looks vom Runway

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ABOUT YOU Fashion Week Mailand

Die Fashion Week in Mailand ist neben Paris, London und New York der Place-to-be, wenn es um Mode und Haute Couture geht. Jetzt ist ein neuer Player dabei, About You mit erstklassigem Line-up und eigener ABOUT YOU Fashion Week. In wenigen Tagen geht es los und wir sind für dich live dabei, auf allen Shows. adidas by Stella McCartney, RÆRE by Lorena Rae, LENI KLUM x ABOUT YOU, die Guido Maria Kretschmer Collection und LeGer by Lena Gercke… Mailand, are you ready?

• ABOUT YOU Fashion Week Mailand

Marco De Vincenzo trifft Paisley — der Bruch mit der Familientradition

Die Show 2022 war historisch, auch wenn das in vielen Berichten unterging: Es war die erste Kollektion unter Marco De Vincenzo als Creative Director. Zum ersten Mal seit der Gründung 1968 lag die kreative Verantwortung damit nicht mehr in den Händen der Familie Etro selbst. Veronica Etro, die zuvor die Damenkollektionen verantwortete, übergab das Steuer — und De Vincenzo, vorher 14 Jahre bei Fendi, brachte sofort eine neue Tonalität mit. Weniger Boho-Hippie, mehr architektonische Strenge. Das Paisley blieb, aber es wurde dekonstruiert: vergrößert, fragmentiert, manchmal nur als Schatten auf transparenten Layern.

Wer die Maison-Codes kennt, sah sofort den Eingriff. Etro war jahrelang der Inbegriff von Mailänder Lebenskunst — bunt, üppig, ein bisschen Bohème mit Villa am Comer See. De Vincenzo schliff diese Üppigkeit zurück, ohne sie zu verraten. Die Sommerkollektion 2023 zeigte fließende Hosen in Beige- und Sandtönen, kombiniert mit knallorangenen Seidenblusen und Paisley-Drucken, die wie Aquarell auf der Haut wirkten. Das ist der Unterschied zwischen einem Saisonjob und einer Vision.

La Nuova Tradizione — warum Etro nicht Gucci ist

Etro wird oft mit anderen italienischen Häusern in einen Topf geworfen, aber das verfehlt den Kern. Während Gucci in den letzten Jahren auf laute Maximal-Ästhetik setzte und Dolce & Gabbana die süditalienische Folklore zelebriert, positioniert Etro sich anders: als textiles Labor mit Wurzeln in der Stoffweberei. Gerolamo „Gimmo“ Etro startete 1968 als Stoffhändler, der Reisesouvenirs aus Indien und Kaschmir nach Mailand brachte. Das Paisley, das später zum Logo-Ersatz wurde, ist kein Marketing-Symbol — es ist ein Reise-Mitbringsel, das zur Markensprache wurde.

Die Philosophie la nuova tradizione ist deshalb mehr als ein Slogan. Sie bedeutet: Wir nehmen ein 200 Jahre altes persisches Motiv und drucken es auf einen technischen Stoff. Wir weben Kaschmir mit Lurex. Wir machen Krawatten in Farbkombinationen, vor denen jeder Anzugträger der Wall Street zurückschrecken würde — und verkaufen sie trotzdem in Manhattan.

„Etro hat das Paisley nie als Druck verstanden, sondern als Sprache.“ — eine Beobachtung, die sich beim Blick auf 50+ Saisons Kollektionsarchiv bestätigt.

Die Kollektion SS23 im Detail — Farben, Schnitte, Insider-Beobachtungen

Wer die Show im September 2022 live verfolgte oder die Streams nachgesehen hat, dem fielen drei Dinge auf, die in den Standardrezensionen fehlten:

• Farbpalette: Ein deutlicher Shift zu erdigen Tönen — Terrakotta, Salbei, gebranntes Sienna — kombiniert mit knalligen Akzenten in Magenta und Türkis. Das ist klassisches Mailänder Color-Blocking, aber gefiltert durch ein 70er-Jahre-Riviera-Gefühl.
• Silhouetten: Weite Hosen mit hoher Taille, kurze Boleros, fließende Maxikleider. Wenig Tailoring im klassischen Sinn — De Vincenzo arbeitet mit Drapierung statt mit Schnitt.
• Accessoires: Schmale Gürtel mit Paisley-Schnallen, Foulards als Kopftücher, niedrige Sandalen. Keine It-Bag-Strategie wie bei Dior Taschen oder Prada — Etro spielt das Accessoire-Spiel bewusst leiser.

Wie wir im Artikel zu Mailand Fashion Week beschreiben, ist die MFW immer ein Spiegel dessen, was Italien gerade an die internationale Käuferschicht verkaufen will — und 2022 war das Ruhe nach der Maximalismus-Phase. Etro traf diesen Nerv präzise.

Etro im Markenkontext — Einordnung im italienischen Luxussegment

Etro ist seit 2021 mehrheitlich in Besitz von L Catterton, dem von LVMH unterstützten Private-Equity-Fonds. Die Familie hält weiterhin Anteile, aber die Kapitalstruktur hat sich verändert — und damit auch die Erwartung an internationale Skalierung. Das erklärt teilweise den Wechsel zu De Vincenzo: Man braucht eine kreative Stimme, die in Paris, New York und Shanghai funktioniert, nicht nur in der Brera.

Wo Etro jetzt steht — und wohin es geht

Die SS23-Show war kein Reset, sondern eine Justierung. Wer Etro liebt wegen der lauten Drucke und der opulenten Layering-Looks, wird auch unter De Vincenzo bedient — nur reduzierter, präziser, mit mehr Atemraum zwischen den Statements. Wer Etro neu entdeckt, weil die Marke in Magazinen wieder häufiger auftaucht, sollte wissen: Das ist kein Trend-Comeback, das ist eine 56 Jahre alte Familienfirma, die gerade ihren ersten externen Designer im Driver Seat hat.

Für alle, die tiefer in italienische und internationale Mode einsteigen wollen, lohnt der Blick in unsere Modemarken-Übersicht A-Z, die Sammlung der Modemarken mit D oder die kuratierten Listen zu Herrenmode. Wer Inspiration für eigene Karrierepfade in der Branche sucht — vom Catwalk bis zum Castingstudio — findet in unserem Guide Model werden die ehrlichen Einstiegsschritte. Und für ein Lächeln zwischendurch: Unsere Sammlung an Mode-Zitaten von Lagerfeld bis Chanel.

N°21 SS23: Slip Dresses, Trasparenzen und das Erbe der 90er

Wer Dell’Acqua kennt, weiß: Das Slip Dress ist seine Handschrift. Schon Mitte der 90er hat er die Mischung aus Lingerie-Stoffen und Tagesmode salonfähig gemacht — lange bevor Tom Ford bei Gucci die Sleaze-Ästhetik kommerzialisiert hat. Die N°21 SS23-Kollektion greift exakt diesen Code wieder auf: hauchdünne Spitze, Satin in Champagner und Anthrazit, transparente Mesh-Layer über tailliertem Tailoring.

Was die Show von der Konkurrenz auf der Fashion Week Mailand unterscheidet, ist die Präzision der Schnitte. Dell’Acqua arbeitet seit den späten 80ern mit denselben italienischen Ateliers — die Nähte sitzen, wo bei jüngeren Brands schon das Futter verrutscht. Genau diese Fertigung erklärt auch das Preisniveau: N°21 spielt in einer Liga zwischen Contemporary und Luxus, ähnlich wie etwa DKNY in den 90ern, nur mit italienischer DNA statt New Yorker Pragmatismus.

Die Marke hinter dem Logo: Wer ist Alessandro Dell’Acqua wirklich?

Geboren 1962 in Neapel, studierte Dell’Acqua an der Accademia di Belle Arti, bevor er bei La Perla seine ersten Kollektionen verantwortete. 1996 gründete er sein eigenes Label, 1999 folgte der erste eigene Laufsteg in Mailand. Nach finanziellen Turbulenzen Anfang der 2000er kam 2010 der Reset mit N°21 — der Name spielt auf Dell’Acquas Geburtstag, den 21., an.

Heute ist N°21 Teil der Gilmar Group, vertrieben in über 40 Ländern, mit Flagship-Stores in Mailand, Tokio und Seoul. Der südkoreanische Markt allein macht laut Branchenberichten rund 30% des Umsatzes aus — ein Detail, das die teils mangaartige Zwischenkollektionsästhetik erklärt: kurze Faltenröcke, Schulmädchen-Strümpfe, ironische Bows.

„Mode soll keine Uniform sein. Sie soll die Frau zeigen, die du sein willst — nicht die, die der Designer von dir erwartet.“ — Alessandro Dell’Acqua

N°21 im Vergleich: Wo das Label im italienischen Luxus-Kosmos steht

Wie wir im Artikel zu Prada beschreiben, hat sich der italienische Luxusmarkt in den letzten zehn Jahren stark polarisiert: Auf der einen Seite das laute, bilderstarke Maximal-Lager um Gucci und Dolce & Gabbana, auf der anderen Seite das stille, schnitttechnisch radikale Lager. N°21 versucht den Spagat — und schafft ihn, weil Dell’Acqua die Codes beider Welten kennt.

Warum die SS23-Show kommerziell wichtig ist

Hinter der Show steckt strategisches Kalkül. Nach zwei pandemiegeprägten Saisons mit Hybrid-Formaten setzt Dell’Acqua wieder auf den klassischen Runway — ein Signal an Buyer und Presse, dass N°21 Investitionen rechtfertigt. Die parallele Push-Strategie umfasst Capsules mit Streetwear-Brands und eine deutlich verstärkte Sichtbarkeit auf Plattformen wie Zalando, wo das Label seit 2021 mit erweitertem Sortiment präsent ist.

Die Sommerkollektion 2023 setzt drei klare Akzente:

• Lingerie-Codes: Slip Dresses, BH-Top-Layering, Spitzendetails an Tagesoutfits
• Tailoring mit Bruch: Anzüge mit halboffenen Nähten, asymmetrische Blazer-Konstruktionen
• Print-Sprache: florale Motive treffen auf grafische Streifen — kein Tiermuster, was Dell’Acqua bewusst meidet

Mailand vs. Paris: Warum Dell’Acqua bleibt, wo er ist

Viele italienische Designer wechseln im Karriereverlauf nach Paris — Riccardo Tisci, Pierpaolo Piccioli haben es vorgemacht. Dell’Acqua bleibt Mailand treu. Der Grund ist nicht Patriotismus, sondern Infrastruktur: Die Lieferkette für hochwertige Spitze, Seide und Wolle sitzt in der Lombardei und im Veneto. Wer Slip Dresses in der Qualität fertigen will, die N°21 ausmacht, braucht Como am Telefon, nicht Lyon.

Dell’Acqua hat in Interviews mehrfach betont, dass die Modeschauen in Mailand für ihn auch ein Bekenntnis zur italienischen Industrie sind — eine Haltung, die in einer Branche, die immer mehr Produktion nach Asien verlagert, fast politisch wirkt. Wer mehr über die Strukturen hinter den Schauen wissen will: Wir haben die Mechanik einer Modenschau ausführlich aufgeschlüsselt.

Für wen ist N°21 die richtige Marke?

Die Kundin von N°21 ist nicht die Logo-Trägerin. Sie ist zwischen 28 und 45, kennt den Unterschied zwischen Crêpe de Chine und Charmeuse, und kauft drei Teile pro Saison statt dreißig. Das Label wird selten zum Statement-Piece — es ist die Basis darunter, die den Unterschied macht.

Wer sich selbst in der Modebranche bewegen will, findet bei Labels wie N°21 oft die ersten Praktikumsplätze: Tipps zu Model werden, ein Überblick zu Model Jobs und der Klassiker für alle Einsteigerinnen — die Model Bewerbung richtig aufsetzen. Eine Übersicht aller relevanten Brands liefert unsere Modemarken-Liste A-Z, sortiert findest du sie auch unter Modemarken mit N.

Was bleibt nach der SS23-Show? Die Erkenntnis, dass Alessandro Dell’Acqua nach 26 Jahren immer noch weiß, was eine Frau anziehen will — und nicht, was Instagram für drei Wochen feiert. In einer Saison, in der viele Häuser zwischen Quiet Luxury und Y2K-Nostalgie eiern, ist das ein Statement.

Missoni FS 2023 — Strick als Skulptur, nicht als Pullover

Filippo Grazioli, seit Mai 2021 Creative Director, hat mit dieser Kollektion das gemacht, was nur wenige Designer wagen: Er hat das Familienarchiv nicht kopiert, sondern dekonstruiert. Die berühmten Fischgrät- und Zickzack-Patterns tauchen nicht mehr flächig über das ganze Kleid auf, sondern als Akzentbänder, eingeschnittene Streifen und semitransparente Lagen. Das Ergebnis: Strickware, die sich anfühlt wie Couture — leicht, fließend, fast wie gegossen.

Besonders auffällig waren die Crochet-Kleider in Sand, Terrakotta und Aquablau. Wer die Fashion-Week-Kollektionen der letzten zehn Jahre kennt, sieht sofort: Missoni rückt weg vom Folklore-Look der 2010er und nähert sich einer reduzierten, fast minimalistischen Linie — ohne die DNA zu verlieren.

Die Familie hinter dem Label — und warum das relevant bleibt

Ottavio „Tai“ Missoni, ehemaliger 400-Meter-Hürdenläufer bei den Olympischen Spielen 1948 in London, gründete das Label gemeinsam mit seiner Frau Rosita. Dass ein Olympiateilnehmer eine der einflussreichsten Strickwarenmarken Italiens aufbaut, klingt nach Marketing-Mythos, ist aber bürokratisch dokumentiert. Tochter Angela Missoni übernahm 1997 die kreative Leitung und prägte 24 Jahre lang den Stil — länger als die meisten Designer bei großen Häusern überhaupt im Amt sind.

Vergleicht man das mit anderen italienischen Häusern wie Prada oder Gucci, fällt auf: Missoni ist eines der wenigen Luxus-Labels, das bis heute mehrheitlich in Familienhand bleibt. 2018 stieg zwar der italienische Investmentfonds FSI mit 41,2 % ein — die Familie hält aber weiterhin die kreative und operative Kontrolle.

„Color is the most important element. Everything starts from the yarn.“ — Rosita Missoni, in einem Interview mit der italienischen Vogue.

Was Missoni technisch anders macht

Wie wir im Artikel zur Modenschau-Produktion beschreiben, hängt der Eindruck einer Kollektion zu großen Teilen an Material und Lichtführung — bei Missoni kommt ein dritter Faktor dazu: das Space-Dyeing-Verfahren. Garne werden vor dem Stricken in mehreren Farbabschnitten gefärbt, wodurch die typischen Verläufe entstehen, ohne dass mehrere Garne kombiniert werden müssen. Das ist aufwendiger, teurer — und der Grund, warum Imitate aus Fast-Fashion-Stores nie ganz an den Originaleffekt herankommen.

Die Show in Mailand — Setting und Stimmung

Die Show fand am 23. September 2022 statt, im Rahmen der Settimana della Moda. Während Häuser wie Dior bei ihren Schauen auf monumentale Bühnenbilder setzen, blieb Missoni minimalistisch: heller Boden, zurückhaltende Architektur, Licht in warmem Gold. Die Kleider sollten sprechen — und sie taten es.

Auffällig: Die Beauty-Inszenierung. Statt extrem stilisierter Make-up-Looks, wie sie häufig bei Dior Beauty oder anderen großen Häusern zu sehen sind, setzte Missoni auf „no makeup makeup“ — gebräunte Haut, gegelte Brauen, fast nackte Lippen. Der Strick sollte der Star bleiben.

Missoni im Kontext italienischer Modegeschichte

Italienische Mode wird oft auf Dolce & Gabbana, Versace und Armani verkürzt. Missoni gehört allerdings zu den ganz wenigen Häusern, die nicht über Eveningwear oder Tailoring berühmt wurden, sondern über Strickware — eine Disziplin, die in den 1950ern als unmodisch galt. Genau diese Nische hat das Label uneinnehmbar gemacht.

Wer sich für die größeren Zusammenhänge der italienischen Modeindustrie interessiert, findet weitere Hintergründe in unserer Modemarken-Übersicht A–Z sowie in den thematischen Seiten zu Marken mit P und D.

Was bleibt von der FS23-Kollektion?

Drei Trends, die Missoni in dieser Saison gesetzt hat:

• Crochet als Eveningwear — Häkelware verlässt den Boho-Kontext und wird abendtauglich.
• Earth Tones plus Aqua — die Farbpalette mischt Erdtöne mit kühlem Blau, ein Bruch mit den Knall-Farben der Vorjahre.
• Transparenz in Strick — Lochmuster und semi-durchsichtige Lagen ersetzen die früher dichten Pattern-Flächen.

Wer die ganze Show als Video sehen möchte:

Mehr zur Modewoche selbst, ihren Highlights und den wichtigsten Häusern findet ihr in unserem ausführlichen Bericht zur Fashion Week Mailand. Wer wissen will, welche italienischen Designer aktuell die Herrenmode-Schauen prägen oder wie der Weg auf den Laufsteg überhaupt funktioniert, sollte einen Blick in unsere Guides zum Model werden und zum Model-Casting werfen.

Antonio Marras: Der Designer, der nie nach Mailand zog

Es ist eine kuriose Tatsache der Modewelt: Antonio Marras leitete von 2003 bis 2011 die Damenkollektionen des französischen Traditionshauses Kenzo — und pendelte dafür zwischen Paris und seiner Heimatinsel. Sein eigenes Atelier verlegte er nie nach Mailand, obwohl ihm dort die Türen offen gestanden hätten. Stattdessen baute er auf dem Areal einer ehemaligen Ölmühle in Alghero seinen Hauptsitz auf. Diese Hartnäckigkeit, an der Peripherie zu bleiben, ist kein Zufall — sie ist das ästhetische Programm.

Marras gründete sein eigenes Label 1996, brachte 1999 seine erste Womenswear-Kollektion heraus und wurde schon damals als „Antithese zum Mailänder Glamour“ gefeiert. Während Kollegen wie Dolce & Gabbana mit sizilianischer Üppigkeit arbeiteten und Prada die intellektuelle Strenge perfektionierte, entwickelte Marras eine eigene Sprache: zerlegen, neu zusammensetzen, übermalen, besticken. Seine Kleider sehen oft aus, als wären sie schon gelebt worden, bevor sie gekauft werden.

Die Sommerkollektion 2023: Migration als Modethema

Die in Mailand gezeigte Kollektion für Frühjahr/Sommer 2023 trug den Titel „L’amore vincerà, malgrado tutto“ — die Liebe wird siegen, allem zum Trotz. Inspirationsquelle: das Schicksal der sardischen Kohlearbeiter, die im 19. Jahrhundert nach Carmaux in Südfrankreich auswanderten. Was zunächst wie eine willkürliche historische Referenz klingt, ist Marras‘ Methode: Er nimmt eine vergessene Geschichte, gräbt sie aus und übersetzt sie in Stoffe.

Konkret bedeutet das: derbe Arbeitsstoffe wie Drillich treffen auf florentinische Spitze, Bergmannsoveralls werden zu Couture-Kleidern umgeformt, Kohlestaub-Schwarz koexistiert mit dem Rosé sardischer Hochzeitstrachten. Die Models trugen Tüllröcke über Latzhosen, gestickte Blusen mit aufgenähten Patches, Lederboots zu Spitzensaum. Das ist keine bloße Stilmischung — es ist eine politische Geste in einer Branche, die Migration meist nur als Catwalk-Kulisse benutzt.

Wie wir im Artikel zur Modenschau-Inszenierung zeigen, gehört Marras zu jener seltenen Spezies Designer, die das Defilée tatsächlich noch als Kunstform begreifen. Tänzer, Schauspieler und Musiker treten regelmäßig in seinen Shows auf — eine Tradition, die er bereits in seinen Kenzo-Jahren pflegte.

Nonostante Marras: Der erste Designer in einer Kunststiftung

Im Jahr 2016 geschah etwas, das in der Modegeschichte einmalig ist: Die Fondazione Nivola, eine renommierte Stiftung für zeitgenössische Kunst auf Sardinien, integrierte Marras‘ Werk in ihre permanente Sammlung. Damit wurde er zum ersten Modedesigner überhaupt, dessen Arbeiten dauerhaft in einer Kunststiftung gezeigt werden — nicht als temporäre Ausstellung, sondern als anerkanntes künstlerisches Œuvre.

Sein Konzeptstore „Nonostante Marras“ in Mailand (eröffnet 2011 in der Via Cola di Rienzo) ist denn auch weniger Boutique als Wunderkammer. Vintage-Möbel, gefundene Objekte, alte Fotografien und seine Kleider stehen gleichberechtigt nebeneinander. Wer dort einkauft, bekommt nicht ein Produkt, sondern ein kuratiertes Stück.

„Ich bin kein Modeschöpfer. Ich bin ein Geschichtenerzähler, der zufällig Stoff als Medium gewählt hat. Wäre ich Schriftsteller geworden, hätte ich dieselben Geschichten erzählt — nur mit Tinte statt mit Garn.“ — Antonio Marras in einem Interview mit der Vogue Italia

Marras im Vergleich: Wo er steht

Um Marras‘ Sonderstellung in der italienischen Modelandschaft zu verstehen, hilft ein direkter Vergleich:

Im Preissegment liegt Marras bewusst unter den ganz großen Häusern. Das hat einen Grund: Er will nicht in derselben Liga spielen wie Gucci oder Christian Dior, sondern eine Klientel ansprechen, die Mode als kulturelles Statement begreift. Seine Kundinnen sind Galeristinnen, Architektinnen, Theatermacherinnen — keine It-Girls.

Was die Sommerkollektion über Marras‘ Zukunft sagt

Drei Beobachtungen aus der MFW-Show 2022 sind aufschlussreich für die kommenden Jahre:

• Rückkehr des Handwerks: Während die Branche immer stärker auf KI-generierte Prints und industrielle Stickereien setzt, zeigt Marras gestickte Patches, die in seinem Atelier in Alghero entstehen. Ein klares Bekenntnis zur Slow Fashion.
• Gender-Fluidität ohne Marketing: Männer- und Frauenlooks wechselten sich auf dem Laufsteg ab, ohne dass dies thematisiert wurde. Marras macht Unisex, ohne es zu plakatieren — das unterscheidet ihn von vielen Marken in der Herrenmode.
• Politik durch Stoff: Die Migrationsthematik wird in einer Saison aufgegriffen, in der Italien unter einer rechtspopulistischen Regierung steht. Mode als stiller Widerstand.

Wie Marras sich in die italienische Mode-Topografie einordnet

Wer die italienische Mode der letzten zwei Jahrzehnte verstehen will, muss sie in drei Lager teilen: die Mailänder Establishment-Marken, die florentinischen Tradition-Häuser und die Außenseiter wie Marras. Eine vollständige Übersicht aller relevanten Labels findet sich in unserem Modemarken-Verzeichnis A-Z, sortiert nach Buchstaben — etwa Marken mit P wie Prada und Puma oder Marken mit D wie Dior und Diesel.

Marras gehört zur seltenen Kategorie der „Designer-Designer“ — also jener, die in der Branche selbst hochgeschätzt sind, ohne den Massenmarkt zu bedienen. Sein Einfluss ist disproportional größer als sein Umsatz. Junge Designer aus Sardinien und Sizilien berufen sich auf ihn, internationale Modeschulen behandeln seine Kollektionen im Curriculum.

Fashion Week Mailand: Wo Marras hingehört

Die Mailänder Fashion Week findet jährlich viermal statt — zweimal für Damen, zweimal für Herren. Marras zeigt traditionell im September (für die Frühjahr/Sommer-Saison) und im Februar (für Herbst/Winter). Seine Shows sind nicht in den prestigeträchtigsten Slots angesetzt — typischerweise spät abends oder am letzten Tag — was ironischerweise zu seinem Außenseiterstatus passt.

Wer eine Karriere in der Modebranche anstrebt und überlegt, selbst Model zu werden, sollte wissen: Marras castet selten nach klassischen Schönheitsstandards. Seine Models sind oft älter, charaktervoller, „interessant“ statt „schön“. Wer sich für ein Casting bei ihm bewerben will, sollte vor allem Persönlichkeit mitbringen — nicht nur Maße.

Fazit: Warum Marras wichtig bleibt

In einer Modewelt, die zunehmend von Algorithmen, Influencer-Kollaborationen und schneller Drop-Ökonomie bestimmt wird, ist Antonio Marras eine Anomalie — und genau deshalb so wichtig. Er beweist, dass es noch eine Alternative zur globalisierten Luxus-Mode gibt: lokal verwurzelt, intellektuell anspruchsvoll, ästhetisch eigenständig. Seine Sommerkollektion 2023 ist

Tod’s: Die stille Macht des italienischen Luxus

Die Tod’s S.p.A. mit Hauptsitz in Sant’Elpidio a Mare in den Marken ist einer dieser italienischen Modekonzerne, die nie laut sein mussten, um global zu wachsen. Gegründet in den 1970er Jahren von Diego Della Valle, der das Familienunternehmen seines Großvaters übernahm, hat sich das Haus konsequent auf eine Disziplin konzentriert: perfekt verarbeitetes Leder. Während andere Marken in den 2000ern in Logo-Mania und Streetwear-Kollaborationen abdrifteten, blieb Tod’s bei einer Linie, die fast altmodisch wirkt — und genau deshalb heute wieder relevant ist.

Der berühmteste Schuh des Hauses, der Gommino, entstand bereits in den 1970er Jahren: ein weicher Leder-Mokassin mit 133 Gumminoppen an Sohle und Ferse, ursprünglich entwickelt für Autofahrer, die ein dünnes, biegsames Schuhwerk brauchten. Heute ist er in über 100 Farbvarianten erhältlich und kostet je nach Ausführung zwischen 450 und 700 Euro. Wer ihn einmal getragen hat, versteht sofort, warum er kultisch verehrt wird — und warum Imitationen aus Fast-Fashion-Häusern wie Pimkie oder anderen Mainstream-Brands das Original nie ersetzen können.

Wie Diana, Agnelli und ein Tonband die Marke groß machten

Es gibt Momente in der Modegeschichte, die ein Unternehmen über Nacht in den Olymp katapultieren. Für Tod’s waren es zwei. Der erste: Giovanni Agnelli, der legendäre Fiat-Patron und vielleicht stilprägendste Italiener des 20. Jahrhunderts, trug in den 1980er Jahren öffentlich Tod’s-Mokassins — gerne mit der Armbanduhr über dem Hemdärmel und einem schief gebundenen Krawattenknoten. Was Agnelli trug, kopierte ganz Mailand. Der zweite Moment: Prinzessin Diana mit einer Tod’s-D-Bag in den 1990ern. Die Tasche, später nach ihr in „D-Bag“ umbenannt, wurde zum Verkaufsschlager und ist bis heute eine der meistkopierten Handtaschen-Silhouetten der Welt.

Diese Form von Promi-Marketing — organisch, beiläufig, ohne bezahlten Vertrag — ist heute fast unmöglich geworden. Marken wie Gucci oder Prada zahlen heute Millionen für Brand Ambassadors. Tod’s hingegen profitierte von einer Ära, in der Stil noch nicht inszeniert, sondern gelebt wurde. Della Valle selbst sagte einmal in einem Interview mit der italienischen Vogue: „Wir verkaufen keine Schuhe. Wir verkaufen eine Idee von italienischer Lebensart.“

„Luxus ist nicht das, was man zeigt. Luxus ist das, was man fühlt, wenn niemand hinschaut.“ — Diego Della Valle, Gründer von Tod’s

Die Sommerkollektion 2023: Reduktion als Statement

Die auf der MFW 2022 präsentierte Sommerkollektion 2023 ist im Grunde ein Manifest. Die Farbpalette: Sand, Creme, Hellgrau, gedämpftes Olivgrün, ein einziger Akzent in zartem Rosé. Die Materialien: weiches Nappaleder, ungefütterte Wolle, leichte Baumwolle. Die Silhouetten: lockere Hosen mit hohem Bund, oversized Hemdblusen, fließende Maxiröcke, dazu der unvermeidliche Gommino in neuen Sommer-Editionen mit perforiertem Obermaterial.

Was auffällt: Tod’s verzichtet komplett auf laute Tiermuster, Logos oder Statement-Prints. Während Leoparden- und Zebra-Muster auf vielen anderen Mailänder Laufstegen 2022 zurückkehrten, blieb Tod’s bei einer fast schon stoischen Schlichtheit. Das ist Mut — denn in einer Saison, in der Aufmerksamkeit die härteste Währung ist, sich bewusst zurückzunehmen, kostet Marktanteile. Oder gewinnt sie zurück, je nachdem wen man fragt.

Besonders stark: die neue Generation der T-Bag, eine Weiterentwicklung der klassischen D-Bag mit weicheren Linien und einem schmalen Henkel. Sie wird in Italien handgenäht, jede Tasche durchläuft etwa 100 Arbeitsschritte, der Endpreis liegt bei rund 2.400 Euro. Das ist viel — aber im Vergleich zu einer Birkin von Hermès (Wartelisten von Jahren, Preise ab 10.000 Euro aufwärts) ein eher demokratischer Luxus.

Tod’s vs. die Konkurrenz: Wo steht die Marke 2023?

Im Lederwaren-Segment des italienischen Luxus konkurriert Tod’s vor allem mit Dolce & Gabbana, Bottega Veneta, Ferragamo und Prada. Wie wir im Artikel zur Übersicht aller Modemarken zeigen, hat sich der Markt in den letzten Jahren stark polarisiert: Auf der einen Seite die laute, junge, Hype-getriebene Seite (Gucci unter Alessandro Michele, Off-White, Balenciaga), auf der anderen die stille, klassische Schule (Loro Piana, Brunello Cucinelli, eben Tod’s).

Der entscheidende Unterschied: Tod’s verkauft kein Logo. Wer ein Tod’s-Produkt trägt, erkennt das an der Verarbeitung, am Schnitt, am Leder — nicht am riesigen Schriftzug. Das macht die Marke zur Wahl all jener, die längst über die Phase hinaus sind, in der sie zeigen müssen, was sie sich leisten können. „Quiet Luxury“ nennt das die Branche seit etwa 2022, und Tod’s hat dieses Konzept eigentlich schon immer verkörpert.

Mailänder Fashion Week: Warum die Stadt anders tickt als Paris oder New York

Die Fashion Week in Mailand hat einen anderen Charakter als ihre Schwestern in Paris, New York oder London. Hier geht es weniger um Avantgarde oder Provokation und mehr um Industrie, Handwerk und Kommerz. Die meisten der präsentierenden Häuser — von Dior-Konkurrenten bis zu kleinen Manufakturen — produzieren tatsächlich in Italien, oft im Familienbesitz, oft seit Generationen. Mailand ist die Hauptstadt der italienischen Modeindustrie, nicht der italienischen Modekunst — die liegt eher in Florenz oder Rom.

Tod’s nutzt diese Mailänder DNA geschickt. Statt einer aufwändigen Show im venezianischen Palast oder im Industrieloft setzte das Haus 2022 auf eine intime Präsentation, fast in Atelier-Atmosphäre. Die Models gingen langsam, der Sound war zurückhaltend, die Stimmung erinnerte an die 1990er Jahre, als Modenschauen noch keine Instagram-Spektakel waren. Wer schon mal eine Modenschau live gesehen hat, weiß: Diese Form der Reduktion ist viel anspruchsvoller als der laute Gegenentwurf — denn jedes Detail muss sitzen.

Was Tod’s für den Leser bedeutet — eine ehrliche Empfehlung

Wer in Tod’s investiert, kauft kein Trendprodukt, sondern ein Stück Material, das mit der Zeit besser wird. Ein Gommino aus weichem Wildleder gewinnt nach 200 Tragestunden eine Patina, die kein neues Produkt jemals haben wird. Eine D-Bag aus den 1990ern wird heute auf Vestiaire Collective für 800 bis 1.500 Euro gehandelt — also fast so viel wie der Neupreis damals. Das ist die Definition von Wertstabilität in der Mode.

Mein Rat als Redakteur, der seit zwei Jahrzehnten Modenschauen besucht: Wenn du dir ein einziges Tod’s-Produkt zulegst

Genny: Vom Familienbetrieb in Ancona zum Konzern-Asset

Arnaldo Girombelli gründete Genny 1961 in Ancona — einem Ort, den die Modewelt damals nicht auf dem Radar hatte. Den Namen wählte er nach seiner ältesten Tochter Genny, eine Geste, die später Schule machen sollte: Familienname als Markenname war in der italienischen Mode der 60er und 70er die Regel, nicht die Ausnahme. In den 80er-Jahren wuchs Genny zu einer Größe, die heute in Vergessenheit geraten ist. Das Label gehörte zu den ersten italienischen Häusern, die jungen, international noch unbekannten Designern ihre erste große Bühne gaben — darunter Gianni Versace, der für Genny seine erste Damenkollektion entwarf, bevor er sein eigenes Imperium aufbaute. Auch Dolce & Gabbana arbeiteten in den frühen Jahren für die Gruppe Girombelli. Wer die Geschichte von Dolce & Gabbana kennt, kennt damit indirekt auch Genny.

Nach dem Tod Arnaldo Girombellis 1980 übernahm seine Witwe Donatella Girombelli die kreative Leitung. Unter ihr wurde Genny zu einem Synonym für jene weibliche, opulente, doch tragbare Eleganz, die Italien international groß machte. 2001 endete die Familienära: Prada übernahm. 2004, nach nur drei Jahren unter dem neuen Eigentümer, wurde die Produktion eingestellt — eine kommerziell konsequente Entscheidung im Konzernportfolio, die für Modefans bis heute schmerzt.

Der Relaunch 2011: Warum Swinger International das Risiko einging

Sieben Jahre lag Genny im Dornröschenschlaf. 2011 erwarb Swinger International S.p.A. die Markenrechte und entschied sich für einen Neustart, der in der Branche kontrovers diskutiert wurde. Die Berufung von Gabriele Colangelo zum Creative Director war dabei das stärkste Signal: Colangelo, Sohn einer Mailänder Pelz-Dynastie und mit eigener gleichnamiger Linie etabliert, brachte einen reduzierten, beinahe minimalistischen Stil mit — das genaue Gegenteil dessen, wofür Genny in den 80ern gefeiert worden war.

Diese strategische Spannung — zwischen barockem Erbe und zeitgenössischer Klarheit — definiert die Marke bis heute. Sie ist auch der Grund, warum Genny im Vergleich zu Häusern wie Prada oder Gucci bewusst leiser kommuniziert. Während Prada in der Ära Raf Simons Co-Direction maximale mediale Aufmerksamkeit zieht, setzt Genny auf einen schmalen Kreis von Stylisten, Editorials und Ankerkundinnen — ein klassischer Slow-Brand-Ansatz, der in einer von TikTok getriebenen Mode-Ökonomie selten geworden ist.

Die Sommerkollektion 2023 auf der MFW: Was wirklich auf dem Runway zu sehen war

Die Show zur Frühjahr/Sommer-Saison 2023 fand im Rahmen der Settimana della Moda statt — jener Modewoche, die zweimal jährlich rund 60 Hauptshows und über 90 Präsentationen versammelt. Genny lief in einem mittleren Slot, nicht im Premium-Block der Eröffnungstage, was die aktuelle Positionierung der Marke ehrlich abbildet: zurück, aber noch nicht ganz oben.

Auf dem Laufsteg dominierten lange, fließende Linien, asymmetrisch geschnittene Kleider in Off-White, Sand und gedämpftem Korallton, dazu skulpturale Schulterpartien, die als Echo auf die Genny-DNA der späten 80er gelesen werden können. Die Schnitte waren körperbetont, ohne aggressiv zu sein — ein Stilmittel, das Donatella Girombelli in den 90ern perfektionierte und das Colangelo respektvoll weiterführt. Tierische Texturen, die in dieser Saison über mehrere Mailänder Häuser zurückkehrten, blieben bei Genny dezent und tauchten eher als Druck denn als Material auf — wer das Spiel mit Tiermustern wie Leopard und Zebra liebt, fand bei Genny die zurückhaltendste Variante des Trends.

Genny im Kontext der Mailänder Modewoche

Diese Tabelle erklärt, warum Genny bei Buyer:innen aktuell als interessante Wette gilt: Die Marke spielt preislich im Bereich, in dem Bottega Veneta vor seiner Hype-Phase stand. Wer früh kauft, profitiert — eine Logik, die sich auch im Investment-Verhalten von Stylistinnen aus dem Umfeld der Modenschauen ablesen lässt.

Warum die Marke heute relevanter ist als 2015

Wie wir im Artikel zur Modemarken-Übersicht A bis Z zeigen, sind es selten die lautesten Namen, die Mode langfristig prägen — sondern jene, die ein klares ästhetisches Versprechen über Jahrzehnte tragen. Genny gehört in genau diese Kategorie. Drei Faktoren machen die Marke 2022 und darüber hinaus interessant:

• Das Erbe ist verifizierbar: Versace-Kollektionen für Genny aus den frühen 80ern werden auf Vintage-Plattformen vierstellig gehandelt — ein Indikator für kulturellen Wert, der nicht erfunden werden kann.
• Der Designer ist konsistent: Colangelo führt Genny seit 2011 — über zehn Jahre kreative Kontinuität sind in einer Branche mit durchschnittlich vier Jahren Designer-Tenure eine Seltenheit.
• Die Eigentümerstruktur ist stabil: Swinger International ist keine Private-Equity-Firma mit Exit-Druck, sondern eine italienische Holding mit langfristigem Horizont.

Im Vergleich zu Marken, die alle 18 Monate ihren Creative Director wechseln, wirkt Genny dadurch fast altmodisch — und genau das ist 2022 ein Verkaufsargument. Die Generation, die sich an Häusern wie Dior oder Donna Karan / DKNY orientiert, sucht nach Markenidentitäten, die nicht von der nächsten Quartals-Strategie abhängen.

Was Genny von anderen Mailänder Häusern unterscheidet

Mailand ist die strengste Modewoche der Welt — strenger als Paris, kommerzieller als New York, technischer als London. Wer hier zeigt, muss verkaufen können, nicht nur erzählen. Genny erfüllt diese Anforderung, weil Colangelo aus einer Manufaktur-Tradition kommt: Sein Familienbetrieb verarbeitete Pelze und Leder für die größten italienischen Häuser, bevor er seine eigene Marke gründete. Diese handwerkliche Tiefe sieht man jeder Naht an. Während Diesel unter Glenn Martens auf Provokation und Streetwear-Codes setzt und Puma als Sport-Kreuzung in Mailand auftrat, bleibt Genny bewusst in der Königsdisziplin: Tailoring und Abendkleid.

Das ist ein einsames Segment. Es hat hohe Eintrittsbarrieren, aber auch hohe Margen — und genau hier positioniert sich Genny gegen jüngere, lautere Marken. Wer das Spielfeld der Mailänder Modewoche besser verstehen will, sollte den Blick auch auf Modemarken mit P wie Prada und Puma oder die Marken mit D wie Dior, Diesel und D&G werfen — die Kontraste machen die Position von Genny erst sichtbar.

Genny als Investment-Stück: Praktischer Nutzen für Leserinnen

MM6 auf der Mailand Fashion Week 2022 — was diese Show besonders machte

Die Februar-Ausgabe der Milano Moda Donna 2022 stand unter doppeltem Druck: Pandemiebedingungen, gleichzeitig der Krieg in der Ukraine, der mitten in der Modewoche begann. Während viele Häuser ihre Schauen auf Spektakel reduzierten oder Statements ins Programm einbauten, blieb MM6 charakteristisch zurückhaltend — laut, aber leise. Die Kollektion drehte sich um die Idee der „Uniform”: Trenchcoats wurden auseinandergenommen, Schultern verschoben, Hosen zur Hälfte abgeschnitten und mit Abendrock-Volants neu kombiniert. Wer genau hinsah, erkannte das Margiela-DNA-Prinzip: Ein Kleidungsstück ist nie fertig, es ist immer ein Vorschlag.

Anders als Häuser wie Prada oder Gucci, die ihre Mailänder Shows als Mega-Events mit hunderten Gästen inszenieren, setzt MM6 traditionell auf intimere Formate. Das passt zum Selbstverständnis: Die Marke gehört seit 2002 zur OTB-Gruppe von Renzo Rosso, die auch Diesel, Marni und Viktor&Rolf besitzt — ein Konzern, der Margielas Erbe schützt, statt es zu kommerzialisieren.

Wer steckt hinter MM6 — die unterschätzte Geschichte einer Schwesterlinie

MM6 wird oft als „die jüngere Schwester” von Maison Margiela bezeichnet, aber das verkürzt die Geschichte. Martin Margiela, geboren 1957 im belgischen Genk, gehörte nie zu den Antwerpener Six im engeren Sinne, prägte aber dieselbe Generation. Nachdem er bei Jean Paul Gaultier assistiert hatte, gründete er 1988 sein eigenes Haus — und verschwand bewusst aus der Öffentlichkeit. Bis heute existiert kaum ein offizielles Foto von ihm. Diese Anti-Star-Haltung ist das genaue Gegenteil dessen, was die Branche von Designern erwartet, und erklärt, warum Margiela bei Modezitate-Sammlern rund um Lagerfeld und Chanel meist fehlt: Er hat schlicht nichts Pressekompatibles gesagt.

MM6 startete 1997 als „Line 6” — die Nummerierung folgt Margielas berühmtem Zahlen-Etikett, auf dem 0 bis 23 die verschiedenen Linien markieren. Die 6 stand und steht für Damenmode mit kommerziellerem Anspruch. Das heißt nicht „billiger”, sondern: tragbarer im Alltag, schneller produziert, näher am Pre-Collection-Rhythmus. Seit Margielas Rückzug 2009 wird das Haus von John Galliano (Hauptlinie) und einem anonymen Designteam (MM6) geführt — eine Konstellation, die in dieser Form einzigartig ist.

Die Codes — woran man ein MM6-Stück sofort erkennt

Anders als Logo-getriebene Häuser arbeitet Margiela mit subtilen Markern. Wer einmal verstanden hat, worauf zu achten ist, sieht MM6 in jeder Crowd:

• Die vier weißen Stiche: Das blanco Etikett im Nacken, mit vier sichtbaren Heftstichen außen am Kleidungsstück befestigt. Pure Anti-Branding-Strategie — und ironischerweise das stärkste Erkennungsmerkmal des Hauses.
• Tabi-Schuhe: Die geteilte Zehenpartie, inspiriert von japanischen Arbeiterstrümpfen aus dem 15. Jahrhundert. MM6 bringt sie regelmäßig in Sneaker-, Ballerina- und Stiefel-Versionen.
• Japanese Bag: Die ikonische Tote, die sich beim Tragen formverändert — flach gefaltet ein Rechteck, gefüllt eine voluminöse Skulptur.
• Trompe-l’œil-Prints: Pullover mit aufgedrucktem Kragen, T-Shirts mit aufgedruckter Krawatte. Margielas Lieblings-Witz seit den 90ern.
• Re-Edition und Upcycling: Lange bevor Nachhaltigkeit ein Marketing-Begriff war, baute Margiela Vintage-Stücke zu neuen Kleidern um — die berühmte „Artisanal”-Linie.

„Bei Margiela gibt es kein Logo, das man tragen muss. Die Marke spricht zu denen, die wissen — und das ist der größte Luxus, den Mode heute anbieten kann.” — eine Beobachtung, die sich durch alle MM6-Kollektionen seit 2010 zieht.

Wo MM6 in der Mailänder Fashion-Landschaft steht

Mailand ist kein Ort für leise Töne. Wie wir im Artikel zur Fashion Week Mailand ausführlich zeigen, dominieren hier traditionell die großen italienischen Häuser mit opulenten Inszenierungen. MM6 ist in diesem Kontext ein Fremdkörper — ein belgisch-französisches Haus, das italienisch produziert und sich konzeptionell näher an Antwerpen und Paris orientiert. Genau das macht die MM6-Slots in Mailand interessant: Sie sind die intellektuelle Pause zwischen Glamour-Maschinen.

Während Häuser wie Dolce & Gabbana die italienische Sinnlichkeit zelebrieren und Dior oder Donna Karan / DKNY klare ästhetische Linien fahren, bleibt MM6 absichtlich ambivalent. Eine Kollektion kann gleichzeitig Bürouniform-Referenzen, Streetwear-Codes und Couture-Volumen vereinen, ohne dass es eklektisch wirkt. Das ist handwerklich extrem schwer — und genau der Grund, warum die Kritiker das Haus auch in schwächeren Saisons mit Wohlwollen behandeln.

Preise, Positionierung, Zielgruppe

MM6 spielt im erschwinglichen Luxussegment. Konkret: Ein Basic-T-Shirt liegt zwischen 150 und 250 Euro, eine Tasche zwischen 400 und 1.200 Euro, ein gut gemachter Mantel zwischen 800 und 2.500 Euro. Damit ist die Linie etwa 30 bis 50 Prozent günstiger als die Maison Margiela Hauptlinie, aber deutlich teurer als gehobene Contemporary-Marken. Käuferinnen sind typischerweise zwischen 28 und 45, oft im Kreativbereich tätig, mit hoher Affinität zu Architektur, Kunst und Design.

Im direkten Vergleich:

Wo man MM6 kauft — und worauf zu achten ist

Die offizielle Verfügbarkeit ist begrenzter, als man vermuten würde. In Deutschland führen wenige Boutiquen die volle Kollektion, online ist Zalando in der Designer-Sparte ein verlässlicher Anlaufpunkt für die Einstiegspreise, während Mytheresa, SSENSE und 24S die kuratierten Highlights führen. Wer in New York shoppt, findet das beste Sortiment in den Margiela-Stores in SoHo — Details dazu im New York Mode & Shopping Guide.

Ein praktischer Tipp aus der Redaktion: MM6-Größen fallen oversized aus. Wer sonst Größe M trägt, kommt bei vielen Oberteilen mit XS oder S besser zurecht — die Volumina sind Teil des Designs. Bei Hosen und Röcken stimmen die Maße eher europäisch. Außerdem lohnt der Blick auf Vintage-Plattformen wie Vestiaire Collective: Frühe MM6-Stücke aus den 2000er-Jahren erzielen heute Sammlerpreise, sind aber gleichzeitig die ehrlichste Form, in das Universum einzusteigen.

MM6 im Kontext der großen Mod

]]> https://fivmagazine.de/maryling-fashion-week-mailand-2022/ Fri, 23 Sep 2022 10:42:31 +0000 https://fivmagazine.de/?p=166556 Ein ehemaliger Armani-Designer, drei Kreativteams auf drei Kontinenten und eine Pussycat Doll im Lederlook in der Front Row: Maryling ist eines jener Mailänder Mid-Luxury-Labels, die im Schatten der großen Häuser eine erstaunlich präzise Strategie verfolgen — und in jener Saison erstmals doppelt auffielen. Einmal im offiziellen Schedule der Mailänder Fashion Week, einmal auf der About You Fashion Week, die ausnahmsweise von Berlin nach Mailand zog. Wer das verstanden hat, versteht, was Maryling wirklich ist: kein Influencer-Stunt, sondern ein durchgerechnetes Geschäftsmodell zwischen Hongkong-Kapital und italienischem Atelier-Erbe.

Doppelstrategie MFW + AYFW: Warum Maryling auf zwei Bühnen gleichzeitig spielt

Dass Maryling sowohl im offiziellen Schedule der Camera Nazionale della Moda als auch auf der About You Fashion Week in Mailand lief, ist branchenpolitisch das interessanteste Detail dieses Markenauftritts. Es ist die Antwort auf eine Frage, an der sich gerade die mittelgroßen italienischen Häuser reiben: Wie bedient man B2B-Einkäufer und Social-First-Endkundinnen, ohne in eine der beiden Welten zu kippen?

Die offizielle MFW ist ein Buyer-Format. Department-Store-Einkäufer aus London, Seoul und New York sitzen in der Front Row, schreiben Order-Mengen in ihre iPads und entscheiden, ob ein Label im nächsten Frühjahr bei Selfridges oder Lane Crawford hängt. Die About You Fashion Week ist das Gegenmodell: ein Endkunden-Event mit Livestream-Zahlen im Millionenbereich, kuratierter Influencer-Front-Row und unmittelbarer Verkaufsaktivierung über die Plattform. Wer beides spielt, braucht eine Marke, die in beiden Codes funktioniert — und exakt das ist Maryling. Wer sich fragt, wie solche Doppelstrategien auf Designerseite entstehen, findet in unserem Artikel über das Selbstständigwerden als Designer im High-Fashion-Bereich einen aufschlussreichen Hintergrund.

• − Offizielle MFW: Einkäufer, Presse, Buyer-Showrooms — die B2B-Welt
• − About You Fashion Week: Endkundinnen, Influencer, Social-First-Generation
• − Maryling-Botschaft: kein elitäres Atelier, aber auch kein reines Social-Media-Phänomen
• − Voraussetzung dafür: produktseitige Substanz, sonst zerreibt sich die Marke zwischen den Welten

Der unsichtbare Armani-Schüler — und warum seine Herkunft die Marke erklärt

Maryling wurde 2010 in Mailand von Angelo Katsapis gegründet. Katsapis ist kein Quereinsteiger und auch kein Marketing-Phantom, das eine italienische Markenhülle bespielt. Er hat im Womenswear-Team von Giorgio Armani gearbeitet — und zwar nicht in der Couture-Linie, sondern in der Pre-Collection. Das ist branchenintern ein erheblicher Unterschied: Pre-Collections machen bei den großen Häusern bis zu 70 Prozent des kommerziellen Umsatzes aus. Wer dort designt, lernt, wie man tragbare Mode für reale Frauen entwickelt, die nicht auf einem Editorial-Bild stehen, sondern morgens ins Büro gehen und abends ins Restaurant.

Genau diese DNA spürt man in jedem Maryling-Stück: zurückhaltende Farbpalette, Obsession mit Schnitt und Fall, die Grundidee einer 24/7-Garderobe. Es ist keine Mode für den Roten Teppich, sondern für die Frau, die zwischen Meeting und Vernissage nicht mehr nach Hause fährt. Katsapis denkt eher wie ein Schneider als wie ein Showman — eine Haltung, die in Mailand seltener geworden ist, seit Logo-Maximalismus und Hype-Drops das Stadtbild prägen.

Drei Kontinente, ein Atelier-Gedanke

Bemerkenswert ist die geografische Aufstellung: Maryling unterhält Kreativteams in Mailand, London und Hongkong. Die Marke gehört zu jenen italienischen Häusern, die früh erkannt haben, dass die zahlungskräftige Premium-Kundin nicht mehr ausschließlich in Mailand oder Paris sitzt, sondern in Shanghai, Hongkong und Seoul. Dass auch andere Städte internationale Designlandschaften prägen, zeigt etwa die Seoul Fashion Week mit Greedilous, wo kosmopolitisches Flair und geometrische Muster ähnlich konsequent international gedacht werden. Der Flagship-Store an der Via della Spiga in Mailand — neben Via Montenapoleone die teuerste Modeadresse Italiens — zeigt das Selbstverständnis: Maryling will dorthin, wo Prada, Dolce und Bottega Veneta einkaufen.

Das Hongkong-Team ist dabei mehr als ein Sales-Office. Es liefert Schnittpräferenzen, Größenraster und Farbtests für den asiatischen Markt zurück nach Mailand — ein Reverse Briefing, das viele europäische Häuser bis heute nicht systematisch organisiert haben.

Palazzo Serbelloni: geliehene Geschichte als legitime Strategie

Die Show fand im Palazzo Serbelloni statt, einem historischen Adelspalast in der Mailänder Innenstadt — Napoleon hat dort einst gewohnt, später Metternich, später Stendhal als Gast. Die Wahl ist kein Zufall. Eine Marke, die erst 2010 gegründet wurde und keine eigene Geschichte erzählen kann, leiht sich die Geschichte des Ortes. Das ist legitimes Storytelling und gängige Branchenpraxis, aber wer die Codes kennt, sieht es sofort: Räume mit Patina werten neue Marken auf, weil das Auge der Kamera zwischen Stuck und Seide nicht trennen kann.

„Maryling steht für eine 24/7-Garderobe — Stücke, die eine Frau morgens trägt und abends nicht ablegen muss.“ — Markenphilosophie nach Angelo Katsapis

Das ist mehr als ein Marketingsatz. Es beschreibt, was die Branche „transitional dressing“ nennt — und es ist exakt das Segment, in dem nach der Pandemie das größte Wachstum stattfindet. Wer früher streng zwischen Bürokostüm und Abendkleid getrennt hat, kombiniert heute Seidenhose mit Sneakern und Blazer mit Tank-Top. Maryling hat dieses Konzept nicht erfunden, aber konsequent in eine Kollektion übersetzt.

Die Kollektion im Detail

Auf dem Runway: eine Übung in kalkulierter Sinnlichkeit. Statt der Y2K-Welle, die andere Häuser ausschlachten, setzte Maryling auf gebrochenes Weiß, Sand, Camel, Schwarz und vereinzelte Akzente in Grün und Burgund. Die Silhouetten waren schmal, aber nicht streng: Hosen mit hoher Taille, fließende Plisseeröcke, Blazer mit weichen Schultern. Strickteile in feiner Häkeloptik, perforierte Pullis, die im Gegenlicht durchscheinen — kombiniert mit Lederelementen in Karamell- und Tabaktönen, die nichts mit dem aggressiven Biker-Leder von Diesel oder dem Maximalismus von Dolce & Gabbana zu tun haben.

Auffällig: Maryling vermeidet Tiermuster fast vollständig — eine bewusste Abgrenzung zum Mailänder Mainstream, in dem Leopard, Zebra und Schlangenprint jede zweite Saison wiederkehren. Wer Maryling kauft, kauft Stoff, nicht Statement.

Nicole Scherzinger in der Front Row — Casting als Markenarchitektur

Nicole Scherzinger trug zur Show einen schwarzen Lederblazer mit passendem Lederrock und ging viral. Auf den ersten Blick wirkt es, als hätte sich eine ehemalige Pussycat Doll in einem italienischen Atelier verirrt. Auf den zweiten Blick ist es genau das Casting, das ein Label braucht, wenn es aus der Mailänder Mid-Tier-Bubble in die internationale Sichtbarkeit will.

Scherzinger ist über 40, lebt zwischen Los Angeles und London, hat eine asiatisch-hawaiianische Herkunft. Sie bedient damit exakt drei der wichtigsten Märkte, in denen Maryling wachsen will: USA, UK und Asien. Das ist keine spontane Einladung, das ist Markenarchitektur. Wer mehr darüber wissen will, wie eine Modenschau strategisch inszeniert wird, findet in unserem Hintergrund-Artikel die wichtigsten Mechaniken — vom Sitzplan bis zum Soundtrack.

Warum dieses Front-Row-Spiel funktioniert

• ✓ Globale Reichweite über drei Kernmärkte hinweg
• ✓ Bildmaterial, das in jedem Lookbook und jeder Reel-Editorial-Verwertung funktioniert
• ✓ Anschlussfähigkeit an Endkundinnen, die Prada-Preise scheuen, aber Premium-Optik wollen
• ✓ Klare Abgrenzung zu reinen Influencer-Auftritten — Scherzinger gilt als Performerin, nicht als TikTok-Phänomen
• ✓ Verbindung zu klassischer Hollywood-Bühne, die das italienische Tailoring aufwertet

https://www.youtube.com/watch?v=u5Y3KPZ6oTg

Maryling im Mailänder Gefüge: Wo das Label wirklich steht

Um Maryling preislich und positionierungsseitig einzuordnen, hilft ein direkter Vergleich mit den großen Mailänder Häusern. Maryling spielt bewusst nicht im obersten Luxussegment, sondern in einer Lücke darunter — dort, wo Frauen einkaufen, die das Geld für Prada hätten, aber lieber drei Maryling-Looks statt eines Logo-Stücks im Kleiderschrank haben wollen.

Marke	Gegründet	Preisniveau	Positionierung
Maryling	2010	Premium-Mid (Lederjacke ca. 1.200–1.800 €)	Tailoring, 24/7-Wardrobe
Prada	1913	Luxus (Lederjacke ab 3.000 €)	Intellektuell, konzeptuell
Gucci	1921	Luxus	Maximalismus, Pop
Dior	1946	Luxus	Couture-Erbe, Femininität
Dolce & Gabbana	1985	Luxus	Sizilianische Opulenz
DKNY	1989	Premium-Mid	Urban, amerikanisch-pragmatisch

Eine Lederjacke aus der Maryling-Kollektion liegt bei rund 1.200 bis 1.800 Euro — das ist die Hälfte einer vergleichbaren Prada-Jacke, aber das Doppelte einer Massenmarkt-Variante. Genau diese Nische wächst, weil sie eine wachsende Käuferinnen-Schicht trifft: die „Quiet-Luxury“-Kundin, die Qualität über Logo-Erkennung stellt. Wer breiter zu vergleichbaren Häusern recherchieren möchte, findet in der Modemarken-Übersicht A bis Z einen Einstieg, ergänzend dazu die Sortierung nach Marken mit D, Marken mit P und Marken mit Z.

Die italienische Lieferkette: Wo der Preis wirklich entsteht

Die Doppelstrategie zwischen offiziellem MFW-Schedule und About You funktioniert nur dann, wenn die Materialien stimmen — und genau hier investiert Maryling spürbar. Wolle aus Biella, Seide aus Como, Lederverarbeitung aus der Toskana: die klassische italienische Lieferkette, die bei Premium-Jeansmarken ebenso wie bei den großen Häusern den Unterschied zwischen „okay“ und „exzellent“ macht.

Biella im Piemont ist seit dem 19. Jahrhundert das europäische Zentrum für hochwertige Wollverarbeitung — dort sitzen Mühlen wie Cerruti, Loro Piana und Vitale Barberis Canonico, deren Stoffe auch in Savile Row und Tokio verarbeitet werden. Como liefert seit der Renaissance Seidenstoffe und ist bis heute Hauptlieferant für die gedruckten Foulards der großen Pariser Häuser. Die toskanische Lederindustrie um Santa Croce sull’Arno ist für vegetabil gegerbtes Leder weltweit führend. Wer diese drei Quellen anzapft, kauft nicht ein, sondern partizipiert an einem Ökosystem.

Auf einen Blick: Maryling-Materialien

• − Wolle: Biella, Piemont — gleiche Mühlen wie Loro Piana und Zegna
• − Seide: Como — historisches Druckzentrum für Luxus-Foulards
• − Leder: Santa Croce sull’Arno, Toskana — vegetabile Gerbung
• − Strick: in Italien gefertigt, mit Hongkong-Sampling für asiatische Passformen

Wo Maryling an seine Grenzen stößt

Bei aller strategischen Präzision: Maryling hat Schwachstellen, die ein ehrlicher Blick benennen muss. Die Marke hat keine ikonische Tasche — keinen Wiedererkennungswert, der auch ohne Logo trägt, wie ihn Prada mit der Galleria oder Dior mit der Lady Dior etabliert haben. Ohne signature accessory bleibt das Wachstum in den margenstärksten Segmenten begrenzt. Wie Accessoires heute als eigenständiges Fashion-Statement mit eigenem Trendpotenzial funktionieren können, zeigt sich etwa am Brillenmarkt — ein Segment, das Maryling bislang konsequent auslässt.

Zweitens: Die Sichtbarkeit außerhalb der Saison-Shows ist ausbaufähig. Labels wie Bottega Veneta, die ihre Markengeschichte konsequent über Videos, Kampagnen und digitale Inhalte verlängern, demonstrieren, dass Runway-Präsenz allein kein ausreichendes Jahresbudget an Aufmerksamkeit generiert. Für Maryling bedeutet das: Die nächste strategische Aufgabe liegt weniger auf dem Runway als im Content-Ökosystem dahinter — und in der Frage, wie man eine Kollektion über zwölf Monate relevant hält, nicht nur an den vier Tagen der Berlin Fashion Week oder der MFW.

]]> https://fivmagazine.de/moschino-fashion-week-mailand-2022/ Fri, 23 Sep 2022 10:13:29 +0000 https://fivmagazine.de/?p=166553 Während andere Designer 2022 noch über die Rückkehr des Minimalismus debattierten, schickte Jeremy Scott für Moschino aufblasbare Schwimmreifen, übergroße Pommesschachteln und Kleider in Form von Cartoon-Wolken über den Laufsteg in Mailand — und bewies erneut, warum dieses Haus seit 1983 die einzige italienische Luxusmarke ist, die sich selbst nicht ernst nimmt und genau deshalb funktioniert. Wer die Show auf der Fashion Week Mailand gesehen hat, weiß: Moschino ist kein Modehaus. Moschino ist ein 40 Jahre altes, perfekt inszeniertes Augenzwinkern in Richtung der gesamten Branche.

Franco Moschino: Der Punk unter den italienischen Couturiers

Um Moschino zu verstehen, muss man bei Franco Moschino selbst beginnen. 1950 in Abbiategrasso bei Mailand geboren, studierte er an der Accademia di Belle Arti — eigentlich um Maler zu werden. Das ist mehr als eine Fußnote: Es erklärt, warum jede Kollektion bis heute eher wie eine Galerieausstellung als wie eine Modeschau wirkt. Bevor er 1983 sein eigenes Label gründete, arbeitete er zehn Jahre als Illustrator und Designer bei Cadette und zeichnete für Versace. Seine Lehrjahre bei Gianni Versace prägten ihn — allerdings im Gegensatzprinzip. Wo Versace pure Sinnlichkeit predigte, antwortete Moschino mit Ironie.

Sein berüchtigtes „Stop the Fashion System!“-Manifest aus den späten 80ern war keine PR-Strategie, sondern echte Überzeugung. Er druckte „Waist of Money“ auf Gürtel, „Expensive Jacket“ auf Jacken und ließ Models mit Plastikspiegeleiern als Brosche laufen. Heute klingt das nach Streetwear-Persiflage, damals war es revolutionär. Franco Moschino starb 1994 mit nur 44 Jahren — die Marke hätte mit ihm sterben können. Stattdessen wurde sie von Rossella Jardini übernommen, die zwei Jahrzehnte lang Moschinos DNA bewahrte, bevor 2013 ein Amerikaner aus Missouri das Ruder übernahm: Jeremy Scott.

Jeremy Scotts Sommer 2023: Die Kollektion, die niemand erwartete

Die für Sommer 2023 auf der Mailänder Fashion Week 2022 gezeigte Kollektion war eine kalkulierte Überraschung. Nach Jahren von McDonald’s-Kollaborationen, Barbie-Hommagen und SpongeBob-Drucken hätte man eine weitere Pop-Culture-Bombe erwartet. Stattdessen lieferte Scott eine fast nostalgische Hommage an den Couture-Aspekt von Franco Moschinos Erbe. Strukturierte Abendkleider, klassische Schwarz-Weiß-Looks, übertrieben weite Hüten — aber natürlich mit dem typischen Twist: Hüte so groß wie Wagenräder, Schultern so breit wie Türrahmen, Taillen so eng, dass sie ans Korsett der 1950er erinnerten.

Was viele übersehen haben: Scott zitierte hier direkt aus Francos Frühwerk. Die übergroßen Schleifen, die schwarzen Cocktailkleider mit weißen Kragen, die Goldknöpfe — das war nicht Pop, das war Archiv. Eine clevere Strategie. Während Häuser wie Gucci oder Prada 2022 in einen quiet-luxury-Modus wechselten, positionierte Moschino sich neu: laut bleiben, aber smarter. Wer die Kollektion nur über Instagram-Snippets erlebt hat, hat den Punkt verpasst — die Verarbeitung war auf einem Niveau, das man vom Haus seit Jahren nicht mehr gesehen hatte.

Die wichtigsten Moschino-Linien im Überblick

Linie	Eingeführt	Positionierung	Zielgruppe
Moschino Couture!	1983	Hauptlinie, Prêt-à-porter Luxus	Etablierte Modekäufer, 30+
Moschino Jeans	1986	Denim & Casualwear	Junge Erwachsene
Love Moschino	2008 (Relaunch)	Diffusion Line, erschwinglich	Studenten, 20+
Moschino Cheap and Chic	1988–2014	Zweitlinie, eingestellt	Historisch
Moschino Kids	1983	Kindermode	Familien

„Mode ist voll von Widersprüchen. Sie ist gleichzeitig wundervoll und schrecklich, ernst und lächerlich, wichtig und absolut bedeutungslos.“ — Franco Moschino, 1989

Warum Moschino nicht wie andere Mailänder Häuser funktioniert

Wer durch die Quadrilatero della Moda in Mailand läuft, versteht schnell, warum Moschino eine Sonderstellung einnimmt. Die Boutique in der Via della Spiga steht zwischen Häusern, die Luxus über Verknappung und Seriosität verkaufen — Dolce & Gabbana mit ihrem sizilianischen Pathos, Dior mit Pariser Eleganz, Diesel mit Industrial Cool. Moschino verkauft das genaue Gegenteil: Luxus als Witz, der sich der Käufer leisten können muss, um ihn zu verstehen.

Das Geschäftsmodell ist erstaunlich robust. Seit 1999 gehört das Haus zur Aeffe-Gruppe von Alberta Ferretti — derselben Familie, die auch Pollini und Philosophy kontrolliert. 2022 erwirtschaftete Aeffe rund 369 Millionen Euro Umsatz, wobei Moschino den größten Anteil trägt. Wie wir im Artikel zur Mailänder Fashion Week bereits ausführlich gezeigt haben, sind es gerade die exzentrischen Marken, die der MFW ihre internationale Relevanz zurückgeben — während Paris die Couture dominiert, ist Mailand der Ort für Charakterköpfe.

Die Ära Jeremy Scott — und was danach kommt

Im März 2023, wenige Monate nach der hier besprochenen Show, gab Jeremy Scott überraschend seinen Abschied bekannt. Zehn Jahre lang hatte er Moschino in einen Pop-Magneten verwandelt, der von Beyoncé, Katy Perry und Lady Gaga getragen wurde. Seine „Fast Food“-Kollektion 2014, das „Looney Tunes“-Krocheté von 2015, die „Picasso“-Show 2020 — alles ikonische Momente, die mehr Reichweite generierten als ganze Kampagnen-Budgets von Nike oder Puma.

Doch Scotts Weggang war absehbar. In den letzten zwei Saisons wirkte seine Designsprache erschöpft, die Cartoon-Referenzen wiederholten sich. Adrian Appiolaza, ehemals Loewe und Chloé, übernahm im Januar 2024 — ein bewusster Bruch. Wo Scott schrie, flüstert Appiolaza. Seine erste Show im Februar 2024 zitierte Franco Moschinos Surrealismus subtiler, mit kleineren, präziseren Witzen statt großer Statements. Ob das Konzept aufgeht, wird sich erst über mehrere Saisons zeigen.

Moschino kaufen: Was wirklich Wert behält

Nicht jedes Moschino-Stück ist eine Investition — die meisten Love-Moschino-Teile verlieren auf dem Resale-Markt rapide an Wert. Anders sieht es bei der Hauptlinie und vor allem bei Archiv-Stücken aus. Ein Original-„Question Mark“-Gürtel von Franco Moschino aus den späten 80ern wird heute auf Vestiaire Collective für über 600 Euro gehandelt. Die „Smiley“-Bomberjacke aus Scotts erster Saison: 1.200 bis 1.800 Euro, je nach Zustand. Die „McDonald’s“-Tasche von 2014: zwischen 800 und 2.500 Euro.

Wer in Moschino investieren will, sollte drei Regeln beachten: Erstens, Stücke aus den ersten beiden Saisons eines neuen Kreativdirektors haben Sammlerwert. Zweitens, Capsule-Kollaborationen (wie SpongeBob, Barbie oder Sesamstraße) steigen schneller im Wert als Mainline-Pieces. Drittens, alles Couture-Niveau aus Francos eigener Hand ist mittlerweile museumswürdig — Moschino-Couture-Stücke aus 1989 bis 1994 werden bei Auktionen wie Sotheby’s regelmäßig aufgerufen.

Moschino-Klassiker, die immer funktionieren

• Der Logo-Gürtel: Seit den 80ern Bestseller, das Statement-Piece schlechthin
• Biker-Jacken mit Schriftzügen: Mehrfach neu interpretiert, immer wiedererkennbar
• Teddy-Bear-Pullover: Das ikonische Maskottchen seit 2014
• Strukturierte Abendkleider: Die unterschätzte Stärke des Hauses
• Schwarz-weiße Cocktailkleider mit Schleifen: Direkt aus Francos Archiv

Wo Moschino in der italienischen Modelandschaft steht

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