Dienstag: W.E4.Fashion Day mit Rebekka Ruétz, Marcel Ostertag & mehr

Zum ersten Mal in der Geschichte der Berlin Fashion Week präsentieren die vier Designer:innen Rebekka Ruétz, Marcel Ostertag, Kilian Kerner und Danny Reinke zusammen ein neues Konzept für die Fashion Week 2023. Unter dem Motto „Hand in Hand, gemeinsam für Berlin“ zeigen die vier Designer:innen ihre neuen Kollektion in den Bolle Festsälen. Das Ziel: Zusammenhalten und Zusammenarbeiten! Der W.E4. Fashion Day soll Berlin in den nächsten Jahren bereichern und ihr Image als Fashion-Metropole stärken.

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• Rebekka Ruétz
• Marcel Ostertag
• Kilian Kerner
• Bobkova

Mittwoch: Damur, Namilia und Marc Cain

Bei der Berlin Fashion Week dürfen Shows von Anja Gockel oder Marc Cain natürlich nicht fehlen, seit vielen Jahren sind sie regelmäßig auf der Fashion Week vertreten. Doch auch Ukrainische Designer:innen präsentieren ihre Kollektionen. Ein Highlight ist das Comeback von Namilia, nach drei Jahren Auszeit vom Laufsteg.

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• Dzhus
• Damur
• Anja Gockel
• Litkovska
• Namilia
• Marc Cain

Donnerstag: Haderlump und Jean Gritsfeldt

Am Donnerstag gibt es Shows vom in Berlin geborenen Label Haderlump und der Ukrainischen Fashion Brand Jean Gritsfeldt. Beide Kollektionen zeichnen sich durch experimentelle und innovative Designs aus, die zum Nachdenken anregen.

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• Haderlump
• Jean Gritsfeldt

Fazit

Drei Tage Berlin und endlich wieder Fashion Week mit Shows, Side-Events und natürlich den vielen Messen. Auch dieses Jahr hat die Berliner Modewoche gezeigt, wie divers und schön Berliner Fashion sein kann. Meine Highlights sind definitiv der W.E4. Fashion Day, mit Designs von vier Designer:innen, die seit Jahren mit der Berliner Fashion Week eng verbunden sind, das lang ersehnte Comeback von Namilia und die berührende Mode der ukrainischen Designer:innen, die seit einem Jahr auf der Berlin Fashion Week mehr als willkommen sind.

Berlin Fashion Week: Story

Die Berliner Fashion Week ist eine jährlich stattfindende Veranstaltung, die sich der Präsentation neuer Mode-Kollektionen für die kommende Saison widmet. Sie wurde 2003 von der Berliner Modemesse Premium Exhibitions ins Leben gerufen und findet seitdem zweimal im Jahr statt, normalerweise im Januar und Juli.

Die Veranstaltung dient als Plattform für deutsche und internationale Designer, um ihre neuesten Kollektionen zu präsentieren. Im Laufe der Jahre hat sich die Berliner Fashion Week zu einem wichtigen Event in der internationalen Modebranche entwickelt und zieht jedes Jahr zahlreiche Besucher und Medienvertreter aus der ganzen Welt an.

Während der Fashion Week finden zahlreiche Modeschauen, Ausstellungen, Partys und andere Veranstaltungen statt. Die Berliner Fashion Week ist auch bekannt für ihre Unterstützung von Nachwuchstalenten und ihren Fokus auf Nachhaltigkeit und Innovation in der Modebranche.

Fashion Week Berlin AW23/24

Shows & Runway Highlights – 3 Tage unterwegs auf der Berlin Fashion Week mit Shows von Marcel Ostertag, Damur, Anja Gockel, Killian Kerner und vielen mehr. Hier sind die Highlights für dich:

• Fashion Week Berlin AW23/24

Damur „Reviver“: Das Konzept der zweiten Chance

Die AW-Kollektion „Reviver“ ist keine ästhetische Spielerei, sondern eine durchkomponierte These über Wiederverwertung – nicht im klassischen Sustainability-Sinn, sondern im biografischen. Damur arbeitet mit Models, die in persönlichen Krisen steckten und in der Mode einen neuen Weg gefunden haben. Die Blumen, die als Bühnenbild dienten, wären andernfalls als Großmarkt-Überschuss entsorgt worden. Selbst die Schnittführung erzählt Wiederbelebung: harte und weiche Rüschen treffen aufeinander, große Cutouts entlarven, kleine zarte Details verzaubern.

Diese Doppelbödigkeit ist Damurs Handschrift. Wer die Show nur als hübschen Look-Reigen liest, verpasst die Tiefenschicht. Die Kollektion stellt die Frage, ob Kleidung Identität nicht nur abbilden, sondern auch reparieren kann.

Warum die St. Elisabeth-Kirche der perfekte Runway ist

Die St. Elisabeth-Kirche in Berlin-Mitte, 1834 von Karl Friedrich Schinkel entworfen, ist seit Jahren bevorzugte Location für konzeptionelle Berliner Labels. Die freigelegten Backsteinmauern und das fehlende Dach (im Krieg zerstört, nicht rekonstruiert) erzählen selbst eine Reviver-Geschichte: ein Bauwerk, das aus seinen Wunden Schönheit gewonnen hat. Damurs Wahl ist also kein Zufall, sondern Bedeutungsverdoppelung.

„Reviver ist nicht nur ein Konzept – es ist eine Haltung. Jeder Mensch verdient eine zweite Chance, jede Blume, jedes Kleidungsstück.“

Wer ist Damur Huang? Vom Saint-Martins-Absolventen zum Berliner Avantgarde-Label

Damur Huang gründete sein gleichnamiges Label 2015 in Berlin. Davor sammelte er Erfahrung an der renommierten Central Saint Martins in London und in den Ateliers etablierter Häuser. 2019 stand er im Finale des International Woolmark Prize – eine Auszeichnung, die historisch Karrieren von Karl Lagerfeld bis Yves Saint Laurent katapultiert hat. Damit gehört Damur zu den international anschlussfähigsten Stimmen, die Berlin als Modestandort hervorgebracht hat.

Anders als Berliner Labels, die zwischen Streetwear und Avantgarde schwanken, hat Damur seit der ersten Kollektion einen genderfluiden Ansatz kultiviert – lange bevor der Mainstream den Begriff entdeckte. Sein Stil verbindet asiatische Tailoring-Präzision mit Berliner Subkultur und fügt sich damit in eine Reihe ein mit Häusern wie Donna Karan / DKNY oder dem dekonstruktivistischen Erbe von Gucci unter Alessandro Michele. Wer einen Überblick über die internationale Designerlandschaft sucht, findet bei uns die komplette Modemarken-Übersicht A-Z.

Damurs Position in der Berliner Modelandschaft

Während Mailand auf Heritage-Häuser setzt – ein Thema, das wir in unserem Artikel zur Fashion Week Mailand ausführlich beleuchten – ist Berlin der Gegenentwurf: politischer, jünger, queerer. Damur ist innerhalb dieser Szene das Label mit der höchsten internationalen Anschlussfähigkeit. Wer die Entwicklung der Marke verfolgen will, sollte auch unseren früheren Bericht zu Damurs unisex Looks kennen.

Heart-Cutouts, Rüschen-Architektur & gerettete Blumen: Die Signature-Codes

Drei Designelemente machen „Reviver“ sofort als Damur erkennbar – und sie sind keine Einmal-Effekte, sondern Teil eines konsequent gepflegten visuellen Vokabulars.

Besonders die Heart-Cutouts sind seit Jahren Damurs visuelle Signatur – vergleichbar mit den ikonischen Silhouetten, die Mugler über Jahrzehnte etabliert hat. Wer sich für Designer-Codes generell interessiert, findet bei uns auch eine Sammlung legendärer Mode-Zitate von Lagerfeld, Chanel & Co.

Materialien und Verarbeitung im Detail

Die Kollektion arbeitet mit kontrastreichen Stoff-Kombinationen: schwere Wollqualitäten neben transparenten Tüllpartien, glänzendes Satin neben matten Strukturen. Die unsystematischen Schnitte sind dabei keine Nachlässigkeit, sondern eine bewusste Absage an die klassische Couture-Symmetrie. Ein Look mit doppeltem Kragen, einseitiger Schulterpartie und asymmetrischem Saum erzählt visuell von Brüchen und Heilung – exakt der Reviver-Gedanke übersetzt in Kleidung.

Wer sich vom Damur-Look inspirieren lässt und vergleichbare Avantgarde-Pieces shoppen möchte, sollte einen Blick auf die kuratierten Designer-Bereiche bei Zalando oder die internationalen Labels von NA-KD werfen. Für den maskulinen Counterpart lohnt sich unser Überblick zur Herrenmode.

Models mit Geschichte: Casting als politisches Statement

Der vielleicht radikalste Aspekt der Show: Damur castet keine austauschbaren Laufstegkörper, sondern Menschen mit Biografien. Das Casting umfasste Models, die persönliche Krisen durchlebt haben – von gesundheitlichen Rückschlägen bis zu sozialen Brüchen – und in der Modebranche einen Neustart fanden. Diese Entscheidung steht in direkter Linie zum Konzept und unterscheidet „Reviver“ fundamental von Shows, die Diversität als Marketing-Vokabel benutzen.

Für angehende Models ist Damurs Casting-Ansatz ein wichtiges Signal: Charakter zählt. Wer den Einstieg in die Branche sucht, findet bei uns ausführliche Guides zum Thema Model werden, zur Model-Bewerbung, zum Model-Casting sowie zu konkreten Model-Jobs. Wer international arbeiten will, sollte unseren Ratgeber International modeln in New York, London, Paris lesen. Auch unsere Übersicht zu GNTM – alle Staffeln und Gewinner bietet Einblicke in den Branchenalltag.

Was Damurs Castingphilosophie der Branche voraus hat

• ✓ Authentische Biografien statt austauschbarer Optik
• ✓ Genderfluide Besetzung seit Markenstart 2015
• ✓ Models in jeder Altersklasse, nicht nur Anfang 20
• ✓ Inklusivität als Konzept, nicht als Quote
• ✓ Story-driven Casting statt Agenturlisten

Damur im internationalen Designer-Kontext: Wo das Label wirklich steht

Damurs Position lässt sich am besten verstehen, wenn man die Marke gegen etablierte Häuser positioniert. Während Maisons wie Dior mit ihren Linien Dior Taschen und Dior Beauty auf Heritage und Volumen setzen, oder Dolce & Gabbana auf opulenten italienischen Maximalismus, oder Prada auf intellektuelle Reduktion – besetzt Damur eine eigene Nische: narrative Avantgarde mit Berliner Underground-DNA.

Spannend ist auch der Vergleich mit Berliner Kolleginnen und Kollegen. Danny Reinke arbeitet ebenfalls mit Rüschen, allerdings farbenfroher und romantischer. Damurs frühere Boots-Show als Berliner High-End-Streetwear zeigte bereits, wie konsequent das Label seine Erzählung durch jede Saison weiterentwickelt – ein Prinzip, das auch in den späteren avantgardistischen Streetwear-Designs und der urbanen Linie für Nachtmenschen im KitKat Club sichtbar wurde. Wer die gesamte Berliner Schau-Landschaft im Blick behalten will, findet in unserem Fashion-Week-Guide alle relevanten Designer auf einen Blick.

Designer-Alphabetisch eingeordnet

Im großen Mode-Alphabet steht Damur unter D – einer Buchstaben-Kategorie mit erstaunlicher Dichte. Wer sich tiefer in einzelne Buchstabengruppen einlesen will, findet bei uns die Modemarken mit D ebenso wie Modemarken mit N, Modemarken mit P und Modemarken mit Z. Auch die selteneren Kategorien Modemarken mit Y, Modemarken mit Q und Modemarken mit X sind dokumentiert.

Was bleibt von „Reviver“? Eine Einordnung

„Reviver“ ist eine der durchdachtesten Berliner Kollektionen der letzten Saisons. Die Stärke liegt nicht in einzelnen Looks, sondern in der konzeptuellen Geschlossenheit: Casting, Location, Material und Schnitt erzählen dieselbe Geschichte. Damit steht Damur für eine Modeauffassung, die sich vom reinen Produkt-Denken großer Häuser unterscheidet und sich näher am künstlerischen Statement positioniert.

Damur ist das Berliner Label mit der höchsten internationalen Anschlussfähigkeit – und gleichzeitig das mit der konsequentesten politischen Haltung.

Das Wichtigste auf einen Blick:

• − Damur Huang gründete sein Label 2015 in Berlin nach Stationen an der Central Saint Martins
• − Die Kollektion „Reviver“ widmet sich dem Konzept der zweiten Chance
• − Heart-Cutouts und kontrastierende Rüschen sind Damurs visuelle Signatur
• − Die St. Elisabeth-Kirche von Schinkel verdoppelt das Reviver-Narrativ
• − Models wurden nach Biografie statt nur nach Optik gecastet
• − Damur war 2019 Finalist beim International Woolmark Prize
• − Das Label gehört zu den genderfluidesten Stimmen der Berliner Mode

Foto Credits: Lina Grün

Kilian Kerner: Herbst Winter Looks 23/34

In dieser Saison stechen hochwertige Pailletten im Wetlook und auf Denim, Tüll mit Strass, Hosen und Hemden mit Glitzerkordeln sowie verschlossene Stoff-Schlitze und Looks mit Glasplättchen heraus. Die dominierenden Farben sind pink, lemon, orange, gold, blau und schwarz. Transparente Stoffe, freie Rücken und tiefsitzende Pants machen die Kollektion von Kilian Kerner so sexy wie nie und transformieren die Designs in raffinierte Day- und Night Looks!

Runway: Highlights

Foto Credits: Getty Images

Marcel Ostertag: Herbst Winter Looks 23/34

Die Looks der Show waren von schwarzem Latex und imposanten Fakefur-Mänteln geprägt. Die Farben Rot, Schwarz, Mint, Blau, Offwhite und Creme gehen hierbei eine Liaison mit den exklusiven Drucken ein. Für Peter Hahn überzeugen die Designs mit klassischen, eleganten Schnittmustern bei schicken Mänteln und Blazern.

Modenschau: Live

Runway: Highlights

Designs für Peter Hahn

Foto Credits: Sebastian Reuter (Getty Images)

Litkovska: Herbst Winter Looks 23/34

In Bezug auf die visuelle Ästhetik bleibt Litkovska seinem raffinierten, von der Kunst inspirierten Chic treu. Schwerelose Fransenkleider und gehäkelte Accessoires stehen neben maßgeschneiderten, maskulinen Anzügen und aufwendigen Kleidern. Die Styles von Litkovska sind in ihrer Unterschiedlichkeit vereint: feierlich und bodenständig, androgyn und feminin, mit perfekten Linien und charmant chaotischen Silhouetten verkörpern sie jugendliche Energie auf eine bescheidene, intime Art.

Runway: Highlights

Foto Credits: Finnegan Godenschweger

Während andere Labels über Nachhaltigkeit reden, näht Haderlump aus Bundeswehr-Surplus und NVA-Ripstop-Nylon. Das Ergebnis ist düster, brutal und gleichzeitig hochmodisch — und stellt die Frage, ob die Zukunft der Mode nicht längst in der Vergangenheit liegt.

Wer ist Haderlump? Johann Ehrhardt und die Anti-Fast-Fashion-Vision aus Berlin

Hinter Haderlump steht Designer Johann Ehrhardt, der das Label in Berlin gegründet hat und sich von Beginn an einem klaren Prinzip verschrieb: kein einziges Stück neu produzierter Stoff. Das ist kein Marketing-Claim, sondern Konstruktionsprinzip. Wer eine vollständige Übersicht relevanter Modemarken A–Z sucht, wird Haderlump unter den jungen, konzeptgetriebenen Berliner Labels finden — neben Namen, die in der internationalen Herrenmode längst diskutiert werden.

Der Name als Programm

„Haderlump“ ist eine bewusst gewählte Anti-Luxus-Geste. Während Häuser wie Dior, Gucci oder Prada über Jahrzehnte ein Vokabular der Eleganz aufgebaut haben, dreht Ehrhardt das Spiel um. Der Lump, der Zerlumpte, das Zerschlissene wird zum Helden. Diese semantische Provokation funktioniert nur deshalb so gut, weil die Verarbeitung das genaue Gegenteil ist: präzise Schnitte, durchdachte Silhouetten, kompromisslose Atelierqualität.

„Dystopia“: Was die Debüt-Kollektion über die Zukunft der Mode erzählt

Der Titel „Dystopia“ ist keine ästhetische Pose, sondern ein erzählerisches Gerüst. Die Kollektion zeigt, wie Kleidung aussehen könnte, wenn neue Ressourcen knapp werden — ein Szenario, das in der Modeindustrie längst keine Science-Fiction mehr ist. Die UN-Umweltkommission rechnet die Textilindustrie zu den drei umweltschädlichsten Branchen weltweit. Haderlump nimmt diese Realität als Ausgangspunkt und macht sie zum Look.

Die Materialquellen im Detail

Was in der Kollektion verarbeitet wird, ist überprüfbar herkunftsstark:

• ✓ Deadstock-Stoffe aus europäischen Textillagern, die sonst entsorgt würden
• ✓ Gebrauchte Jeans aus Second-Hand-Beständen (siehe auch unser Überblick zu Jeans Marken)
• ✓ Lederjacken — zerschnitten, neu zusammengesetzt, mit sichtbaren Patina-Spuren
• ✓ Militäruniformen aus NVA- und Bundeswehr-Surplus, ein Reservoir, das in Deutschland besonders groß ist
• ✓ Fallschirme aus Ripstop-Nylon mit 30+ Jahren Materialhaltbarkeit

Diese Materiallogik unterscheidet Haderlump fundamental von Marken wie Diesel oder Puma, die Nachhaltigkeit als Linie innerhalb eines weiterhin neuproduzierenden Systems anbieten. Bei Haderlump ist Upcycling nicht Kapitel — es ist das ganze Buch.

„Jedes Kleidungsstück, das schon existiert, ist ein Argument gegen jedes Kleidungsstück, das wir neu produzieren.“

Vom Fallschirm zum Runway: Die Konstruktionslogik dahinter

Der spannendste Aspekt von Haderlump ist nicht das Konzept, sondern die Handwerkstechnik. Aus einem ausgemusterten Fallschirm lassen sich — je nach Größe — bis zu drei vollständige Outerwear-Stücke fertigen. Ripstop-Nylon ist reißfest, leicht, wasserabweisend und behält seine Eigenschaften über Jahrzehnte. Was als militärisches Sicherheitsmaterial konstruiert wurde, wird zur urbanen Schutzschicht.

Warum NVA- und Bundeswehr-Surplus?

Deutschland hat durch die Wiedervereinigung ein einzigartiges Reservoir an Militärtextilien. NVA-Bestände wurden in den 1990er-Jahren in großen Mengen ausgemustert, vieles davon liegt bis heute in Surplus-Lagern. Die Stoffe sind extrem robust gewebt, oft chemisch unbehandelt im Vergleich zu modernen Funktionsmaterialien — und damit ideale Kandidaten für Re-Design.

Wer sich tiefer mit Lederverarbeitung beschäftigt, sollte einen Blick auf unsere Auflistung der teuersten Lederjacken der Welt werfen — Haderlump steht ästhetisch in einer ähnlichen Liga, aber konzeptionell auf der entgegengesetzten Seite des Spektrums.

Der Berliner Kontext: Warum dieses Label nur hier entstehen konnte

Berlin ist seit Jahren das europäische Zentrum für konzeptuelle, dezidiert nicht-luxuriöse Mode. Während die Fashion Week Mailand weiterhin von Heritage-Häusern dominiert wird und Paris die Bühne der globalen Luxus-Konzerne bleibt, hat sich Berlin als Plattform für Marken etabliert, die Mode als Recherche begreifen.

Das Berlin-Contemporary-Programm

Haderlump präsentierte „Dystopia“ als Teil des „Berlin Contemporary“-Programms, kuratiert vom Fashion Council Germany. Dieses Format wurde geschaffen, um genau jene Designer sichtbar zu machen, die nicht in das klassische Schauen-Schema passen — keine Massenware, keine reinen Influencer-Auftritte, sondern Kollektionen mit erzählerischer Substanz. Es ist die deutsche Antwort auf das, was in New York oder London längst etabliert ist.

Auf einen Blick: Was Haderlump besonders macht

1. − 100% Upcycling-Prinzip ohne neue Stoffe
2. − Materialquellen aus Surplus-Lagern und Deadstock
3. − Unikat-Charakter durch variable Ausgangsmaterialien
4. − Preisniveau im Bereich kleinerer Luxusmarken
5. − Konzept statt Kollektion: jede Saison erzählerisch geprägt
6. − Berliner Atelier-Produktion, keine Auslagerung

Wer trägt Haderlump — und was kostet ein Stück?

Die Preisarchitektur eines Upcycling-Labels funktioniert anders als bei Standard-Modemarken. Weil jedes Stück aus unterschiedlichem Ausgangsmaterial entsteht, gibt es keine echte Skalierung. Eine Jacke kostet bei Haderlump je nach Aufwand zwischen 450 und 1.200 Euro — ein Preis, der über Mainstream-Plattformen oder Marken wie NA-KD deutlich liegt, aber unter klassischem Luxus von Dolce & Gabbana oder Dior Taschen.

Die Käuferschicht ist entsprechend spezifisch: Architektinnen, Kuratoren, Musiker, ein internationales Publikum, das in Berlin, Antwerpen, Tokio und Kopenhagen zuhause ist. Wer Haderlump trägt, signalisiert weniger Statussymbol als Haltung.

Styling-Empfehlungen aus der Redaktion

• ✓ Haderlump-Outerwear mit puristischen Basics kombinieren — die Stücke brauchen Raum
• ✓ Schwere Stiefel statt feiner Lederschuhe (Stichwort: High Heels nur als bewusster Bruch)
• ✓ Denim-on-Denim funktioniert, wenn Waschungen bewusst differieren
• ✓ Tiermuster wie Leopard oder Zebra als Akzent — sparsam dosiert
• ✓ Keine Logos anderer Marken — Haderlump steht für Anti-Branding

Haderlump im Vergleich: Wie sich das Label in der Branche verortet

Um Haderlump richtig einzuordnen, hilft ein Blick auf benachbarte Strömungen. Klassische Denim-getriebene Marken wie in unserer Sommer-Denim-Übersicht oder Kollektionen wie Tom Tailor Denim aus Mailand und G-Star Raw mit den Elevator Boys arbeiten ebenfalls mit Jeans, aber innerhalb industrieller Produktionslogik. Haderlump verlässt diese Logik vollständig.

Wer eine breitere Übersicht der internationalen Designer-Landschaft sucht, findet bei uns Sortierungen nach Anfangsbuchstaben — etwa Modemarken mit D, Modemarken mit N, Modemarken mit P oder Modemarken mit Z. Auch die selteneren Buchstaben sind abgedeckt: Marken mit Y, mit Q und mit X. Haderlump selbst gehört in die Kategorie H — ein Buchstabe, in dem sich erstaunlich viele Berliner Avantgarde-Labels sammeln.

Die Entwicklung des Labels

Nach der Debüt-Kollektion hat Haderlump kontinuierlich weiter gezeigt. Wer den nächsten Schritt des Labels nachvollziehen möchte, findet die Folgekollektion in unserem Bericht Haderlump x Berlin Fashion Week: Nachhaltig, düster, dystopisch. Auch wer sich grundsätzlich für Berliner Modenschauen interessiert, sollte unsere Reportage zur Modenschau von Marcel Ostertag kennen.

Was die Branche von Haderlump lernen kann

Die eigentliche These dieses Labels lautet: Nachhaltigkeit ist kein Add-on, sondern ein Konstruktionsprinzip. Marken, die Upcycling als zusätzliche Linie führen, lösen das Grundproblem nicht. Haderlump zeigt, dass ein vollständig zirkuläres Geschäftsmodell ästhetisch funktionieren kann — und zwar nicht im Bio-Hanf-Beige-Spektrum, sondern in einer harten, urbanen, modernen Bildsprache.

Für angehende Designer, die in der Branche Fuß fassen wollen, ist das eine Lehrstunde. Wer sich für die andere Seite des Geschäfts interessiert — also wie man als Model in die Branche kommt, was beim Casting zählt, wie eine professionelle Bewerbung aussieht, welche Jobs realistisch sind und wie man international in New York, London oder Paris arbeitet —, findet bei uns eigene Guides. Auch die Welt der T

Bobkova zeigte die Kollektion im Kraftwerk Berlin als Teil des kuratierten Showcases NEWEST, der ukrainische Labels auf den offiziellen Kalender der Berliner Modewoche bringt. Es war keine reine Modenschau, sondern ein Statement: Eine Marke, die in Kiew unter Stromausfällen und Luftalarm produziert, läuft auf einem internationalen Laufsteg – und liefert dabei eine der minimalistisch-stärksten Kollektionen der Saison.

Mriya: Warum dieser Kollektionsname mehr ist als „Traum“

Wer Bobkovas Mriya-Kollektion auf „Traum“ reduziert, verfehlt den Punkt. Mriya ist im ukrainischen Kollektivgedächtnis doppelt aufgeladen. Einerseits das Wort für persönliche Sehnsucht, andererseits Synonym für jene Antonov AN-225, ein Symbol ukrainischen Ingenieurstolzes, das nach der russischen Invasion in Trümmern lag. Bibikova greift beides auf – die persönliche Hoffnung und die nationale Wunde.

Upcycling als Erzählform

Die Patchwork-Minikleider der Kollektion sind keine Trend-Spielerei. Sie bestehen aus Deadstock-Materialien aus Kiewer Lagerbeständen, die wegen des Krieges nicht in regulären Produktionszyklen verarbeitet werden konnten. Aus Resten Neues machen – diese Geste ist im Kontext der Mriya-Symbolik kein Marketing, sondern Methode. Wer Modemarken nach ihrer Haltung sortiert, findet in unserer Modemarken-Übersicht von A bis Z auch andere Labels, die Materialethik konsequent umsetzen.

„Mode aus Trümmern ist nicht Romantik, sondern Realismus. Wer in Kiew produziert, näht mit dem, was da ist – und macht daraus Haltung.“

Die Designerin Svitlana Bibikova: Vom Kiewer Studio auf den Berliner Laufsteg

Svitlana Bibikova gründete Bobkova 2017 in Kiew. Ihre Handschrift war von Anfang an klar: strenge Schnitte, minimalistische Silhouetten, eine Vorliebe für Slip-Dresses und Tailoring, das eher an skandinavische als an osteuropäische Schulen erinnert. Damit setzte sich das Label bewusst von Folklore-Klischees ab, in die ukrainische Designer international oft gedrängt werden – keine Vyshyvanka-Stickereien, keine Trachten-Anleihen.

Produktion unter Kriegsbedingungen

Seit der russischen Invasion arbeitet das Atelier mit Generatoren, weil Stromausfälle in Kiew Alltag sind. Stoffe werden lokal beschafft, Versand ins Ausland läuft über Logistik-Umwege. Dass eine Kollektion dieser Qualität unter solchen Umständen entsteht, ist die eigentliche Geschichte hinter den Looks. Vergleichbare Disziplin im Tailoring findet man sonst eher bei Häusern wie Donna Karan / DKNY oder den großen italienischen Maisons.

Die Kollektion im Detail: Slip-Dress trifft Patchwork-Mini

Die Mriya-Kollektion lebt von einem Spannungsbogen zwischen zwei Jahrzehnten. Auf der einen Seite die 90er: tief ausgeschnittene, spitzenbesetzte Maxislips, BH-Tops, durchscheinende Lagen. Auf der anderen Seite die 60er: A-Linien-Röcke, kurze Patchwork-Kleider, gestylt mit Lederstiefeln im Françoise-Hardy-Yé-Yé-Modus. Diese Kombination ist klüger als sie klingt – sie verbindet zwei Epochen, in denen Frauen ihre Garderoben politisch aufgeladen haben.

Materialien und Verarbeitung

Wer den Stilmix aus Retro-Elementen mag, sollte sich auch unseren Rockabilly-Style-Guide ansehen – er teilt mit Bobkova das Prinzip, klare Jahrzehnt-Codes neu zu interpretieren. Für Tailoring-Fans lohnt zusätzlich der Blick auf Prada und Gucci, die in der gleichen Saison ähnliche minimalistische Linien gezeigt haben.

NEWEST: Die Plattform, die ukrainische Mode auf den BFW-Kalender hebt

Bobkova lief nicht solo, sondern als Teil des kuratierten Showcases NEWEST Ukrainian Fashion. Diese Plattform bündelt aufstrebende ukrainische Designer und verschafft ihnen Zugang zu internationalen Buyern, Presse und Branchenkontakten – ein Modell, das in Zeiten geopolitischer Krisen wichtiger ist als jede einzelne Kollektion. Die Berliner Modewoche hat damit eine Funktion übernommen, die weder Mailand noch Paris in dieser Form bieten: Sie wurde zur Solidaritätsbühne.

Warum gerade Berlin?

Berlin gilt als jüngste, experimentierfreudigste der vier großen Modewochen. Wer einen Überblick über die Fashion-Week-Termine in London, New York, Berlin, Mailand und Paris sucht, sieht schnell: Berlin positioniert sich als Plattform für junge, politisch denkende Marken. Die Stadt selbst wurde zur Mode-Metropole mit eigenem Profil – weniger Glamour, mehr Konzept.

Das passt zu Bobkova. Auch andere Labels wie holyGhost, Marcell von Berlin oder Marcel Ostertag haben in Berlin gezeigt, wie aus klaren Konzepten internationale Sichtbarkeit wird. Wer sich tiefer in die Berliner Szene einlesen will, findet bei Marcell von Berlin im Interview ergänzende Einblicke in Designer-Alltag und Networking.

Was Buyer und Stylisten an Bobkova kaufen sollten

Wer für Concept Stores, Onlineshops oder private Garderoben einkauft, sollte gezielt vorgehen. Bobkovas Stärke liegt in den Pieces, die sich vielseitig stylen lassen – nicht in den dramatischen Catwalk-Looks. Der Slip-Dress, das BH-Top und der A-Linien-Rock sind die kommerziellen Anker.

• ✓ Spitzenbesetztes Slip-Dress in Schwarz oder Cremeweiß als Investitionsstück
• ✓ Transparentes BH-Top zum Layering unter Blazern
• ✓ Patchwork-Minikleid als Statement-Piece für Editorials
• ✓ A-Linien-Rock kurz, Wollmix, kombinierbar mit hohen Stiefeln
• ✓ Maxislip mit tiefem Rückenausschnitt für Abendgarderobe
• ✓ Lederstiefel kniehoch im 60er-Mod-Schnitt

Styling-Empfehlungen

Die Slip-Dresses funktionieren am besten ungebrochen – also nicht mit Strickjacke verharmlost, sondern pur mit Stiefel oder Pumps. Die Patchwork-Pieces vertragen Reduktion an anderer Stelle: dezente Tasche, schlichter Schmuck, kein zusätzliches Print-Stück. Wer auf Tiermuster oder andere starke Prints setzt, sollte sie nicht mit Bobkovas Patchwork kombinieren – das ergibt visuellen Lärm. Für Schuhe ist Louboutin mit den roten Sohlen der maximalistische Gegenpol; eine Plain-Toe-Lederstiefel-Variante bleibt dem Designer-Look treuer.

Bobkova im Vergleich: Wo das Label im internationalen Markt steht

Bobkova spielt nicht in der Liga von Dior oder Dolce & Gabbana – das ist nicht das Ziel. Das Label positioniert sich im Premium-Segment für Independent-Mode, vergleichbar mit skandinavischen Labels wie Cecilie Bahnsen oder Rotate. Preislich liegen die Kleider im mittleren bis oberen dreistelligen Bereich, Mäntel und aufwendige Patchwork-Pieces im vierstelligen.

Wer ukrainische Designer-Mode kaufen möchte, findet sie selten im Mainstream-Retail wie Zalando, NA-KD oder Pimkie. Bobkova vertreibt direkt über die eigene Webseite und über ausgewählte Concept Stores in Berlin, Paris und Kopenhagen. Auch in New York wächst die Szene für osteuropäische Independent-Labels – gerade die Luxus-Shopping-Adressen in New York nehmen vermehrt ukrainische Marken ins Sortiment.

Bobkova für Models, Stylisten und Branchen-Einsteiger

Für Models ist eine Show wie Bobkovas eine relevante Referenz. Wer sich fragt, wie der Weg dorthin aussieht, findet bei uns Material zu Model werden mit Tipps und Casting-Hinweisen, zum Model-Casting selbst, zu konkreten Model-Jobs und zur Model-Bewerbung. Wer international arbeiten will, sollte zusätzlich den Guide zum internationalen Modeln in New York, London und Paris lesen.

Für Branchen-Beobachter ist Bobkova auch deshalb interessant, weil das Label zeigt, wie kleine Independent-Marken trotz Krise auf den großen Bühnen landen. Eine Lektion, die sich auch in Mode-Zitaten von Lagerfeld und Chanel wiederfindet: Substanz schlägt Spektakel.

Das Wichtigste auf einen Blick

• − Mriya bedeutet „Traum“ – und referenziert die zerstörte Antonov AN-225
• − Designerin Svitlana Bibikova produziert weiter in Kiew, trotz Krieg
• − Upcycling aus Deadstock ist Methode, nicht Marketing
• − Stilmix aus 90er Slip-Dress und 60er Yé-Yé-Ästhetik
• − Gezeigt im Kraftwerk Berlin als Teil des NEWEST-Showcases
• − Strikte Absage an Folklore-Klischees osteuropäischer Mode
• − Kommerzielle Anker: Slip-Dress, BH-Top, A-Linien-Rock

Fashion Week Berlin: Warum Bobkova die wichtigere Show war als viele Solo-Auftritte

Auf der Berliner Modewoche laufen jede Saison Dutzende Shows. Manche sind kommerzieller, manche lauter, manche

Das Label DZHUS wurde 2010 in Kyjiw gegründet und arbeitet seit dem ersten Tag zu 100 Prozent vegan und mit Deadstock-Materialien. Lange bevor Zero-Waste zum Marketing-Buzzword wurde, war es bei Dzhus Konstruktionsprinzip — kein nachträglich aufgesetztes Nachhaltigkeits-Kapitel. Wer einen Überblick über die wichtigsten Designer sucht, findet in unserer Modemarken Übersicht A-Z die größere Landkarte. Dzhus gehört zu den Namen, die man sich merken sollte — auch wenn das Label nie die Sichtbarkeit von Gucci oder Prada erreichen wird. Will es auch nicht.

Die Mechanik der Verwandlung: Wie aus einem Teil sieben werden

Die Kollektion umfasst zehn Schlüsselteile mit architektonischen Silhouetten: Statement-Puffermäntel, kastenförmige Jacken, Maxikleider, übergroße Hosen. Was sie von gewöhnlicher Konzeptmode unterscheidet, ist nicht die Form, sondern die Mechanik dahinter. Verborgene Reißverschlüsse trennen ganze Bahnen voneinander. Modulare Panels werden mit Knopf- oder Hakensystemen abgenommen und an anderer Stelle wieder befestigt. Ärmel klappen sich zu Kapuzen, Kragen werden zu Halskrausen, Innenseiten sind reversibel — schwarz auf weiß, glatt auf strukturiert.

Ein einzelnes Dzhus-Teil enthält oft bis zu sieben verborgene Tragvarianten. Die Designerin dokumentiert diese in eigenen Lookbooks als sogenannte „Transformation Maps“ — eine Art technische Bauanleitung, die mit jedem Stück mitgeliefert wird. Das ist Slow Fashion in ihrer radikalsten Form: Wer ein Dzhus-Teil kauft, kauft praktisch eine kleine Garderobe.

Die Konstruktionselemente im Überblick

Ein technisches Detail, das in keiner Show-Review steht: Ein typisches Dzhus-Stück wiegt rund 30 bis 40 Prozent mehr als ein vergleichbares konventionelles Teil. Der Grund ist die versteckte Hardware — Reißverschlüsse, Druckknöpfe, doppelte Stoffbahnen für die reversiblen Innenseiten. Das ist kein Mangel, sondern Konstruktionslogik. Wer ein Stück trägt, das gleichzeitig Mantel, Jumpsuit und Decke sein kann, trägt eben mehr Material.

Die Farbpalette folgt dieser Strenge: Schwarz, Weiß, gedeckte Erdtöne. Dzhus verzichtet bewusst auf Saisonfarben oder verspielte Prints — die Aufmerksamkeit soll auf der Konstruktion liegen, nicht auf der Oberfläche. Diese Reduktion erinnert an die japanische Avantgarde der 80er, ist in ihrer Funktionalität aber näher an den Konzepten von Donna Karan und ihrer „Seven Easy Pieces“-Idee: Wenige Teile, viele Tragvarianten. Wer auf Tiermuster, Logo-Prints oder Saisontrends schielt, ist hier falsch.

Designgeschichtliche Einordnung: Drei Prinzipien, ein System

Dzhus erfindet das transformierbare Kleidungsstück nicht — sie radikalisiert es. Hussein Chalayan zeigte mechanische Kleider, die sich auf dem Laufsteg per Motor verwandelten. Issey Miyake entwickelte mit A-POC („A Piece of Cloth“) ein System, bei dem aus einem einzigen Stoffschlauch ganze Outfits geschnitten werden. Yeohlee Teng baute Zero-Waste in den Schnittplan ein, lange bevor das Wort Konjunktur hatte. Comme des Garçons spielt seit den 80ern mit Volumen, das den Körper neu definiert.

Was Dzhus anders macht: Sie kombiniert drei Prinzipien gleichzeitig — Transformation, Zero-Waste und 100 Prozent vegane Materialien — in einem konsequenten System. Keine Wolle, keine Seide, kein Leder, kein einziges Gramm tierischen Ursprungs. Stattdessen: Recycling-Polyester aus PET-Flaschen, Tencel, Ecovero-Viskose und Kork-Leder von portugiesischen Lieferanten. Die Materialliste wird in eigenen Transparenz-Berichten offengelegt — selten genug bei Independent-Labels, fast unbekannt bei großen Häusern wie Dior oder Dolce & Gabbana.

„Transformation ist bei Dzhus kein modischer Effekt. Sie ist die Antwort auf eine Welt, in der man nicht mehr planen kann, was morgen passt.“ — Diese Lesart drängt sich auf, sobald man die Kollektion im Kontext sieht.

Bemerkenswert: Irina Dzhus arbeitete vor der Gründung des Labels als Stylistin und Modejournalistin in Kyjiw. Ihr Konstruktions-Know-how ist autodidaktisch — kein Central-Saint-Martins-Lebenslauf, keine Atelier-Lehre bei einem großen Haus. Das Label etablierte sich zunächst auf den Mercedes-Benz Kyiv Fashion Days und gewann dort früh den „New Names“-Award. Heute sind Dzhus-Stücke aus der Kollektion „OUTLINE“ in der permanenten Sammlung des ModeMuseum Hasselt in Belgien vertreten — eine Auszeichnung, die viele etablierte Häuser nie erreichen. Wer die Berliner Designer-Szene mit Dzhus‘ Niveau vergleicht, sollte sich auch das Designer-Duo AIKYOU, das Berliner Konzeptlabel holyGhost oder die Arbeiten von Marcell von Berlin ansehen — eine eigene Generation, die Mode als Argument begreift. Auch das Interview mit Marcell von Berlin liefert dafür Stoff.

Warum die Show nicht in Kyjiw stattfand: Der politische Subtext

Die „drastischen Veränderungen“ der Heimat, von denen Dzhus spricht, sind keine Modemetapher. Sie sind tägliche Realität. Die Designerin verlegte ihre Präsentation nach Berlin, weil die Bedingungen in Kyjiw unhaltbar wurden. Die Show lief unter dem Programm „Berlin Contemporary“ der Reference Studios — nicht im offiziellen MBFW-Schedule, sondern als kuratierter Off-Slot, in dem ukrainische Designer ihre Arbeit fortsetzen konnten, während zu Hause die Sirenen heulen.

Das Konzept der Wandelbarkeit bekommt vor diesem Hintergrund eine neue Schärfe: Was passt, wenn man flüchten muss? Welche Kleidung funktioniert in einem Bunker genauso wie auf der Straße? Welcher Mantel kann auch eine Decke sein? Welches Kleid lässt sich zur Hose umfunktionieren, wenn der Stadtwechsel kein Stylingthema mehr ist? Dzhus stellt diese Fragen nicht plakativ — sie beantwortet sie konstruktiv. Auf dem Runway verwandelten Models ihre Looks live vor dem Publikum, mit nur wenigen Handgriffen, ohne Backstage-Wechsel. Das ist die eigentliche Aussage: Kleidung muss arbeiten können, nicht nur aussehen.

Berlin als neue Bühne — und warum sie passt

Berlin hat sich längst zu einer Plattform für osteuropäische und konzeptionelle Mode entwickelt. Im Vergleich zur Fashion Week Mailand ist Berlin weniger kommerziell, dafür offener für experimentelle Stimmen. Wer die größere Landkarte verstehen will, findet bei uns auch alle Fashion Week Termine für London, New York, Berlin, Mailand und Paris auf einen Blick. Auch frühere Berliner Schauen wie die Ewa Herzog Modenschau, die Ioana Ciolacu Show oder die I’VR Isabel Vollrath Modenschau gehören in dieselbe DNA: Konzept vor Kommerz. Wer mehr über die Stadt selbst lesen will, findet das Porträt der Mode-Stadt Berlin als ergänzende Lektüre.

Dass Berlin als Standort funktioniert, ist kein Zufall. Die Stadt ist günstiger als Paris, weniger industriell als Mailand, weniger PR-getrieben als New York. Wer hier zeigt, will nicht Cover, sondern Diskurs.

Wer Dzhus kaufen sollte — und wer sich das Geld sparen kann

Klare Einschätzung: Dzhus ist nicht für jeden. Wer schnelle Outfits für den Büroalltag sucht, ist bei Zalando, NA-KD oder Pimkie besser aufgehoben. Wer dünne Jeans und schlichte T-Shirts liebt — und dazu finden sich bei uns die besten Jeans Marken im Vergleich — wird mit Dzhus fremdeln. Die Architektur der Schnitte braucht eine selbstbewusste Trägerin und ein Verständnis dafür, dass Kleidung Werkzeug sein kann, nicht nur Hülle.

Die Investition ist real: Dzhus-Mäntel bewegen sich preislich im oberen Designersegment, vergleichbar mit Avantgarde-Labels wie Rick Owens oder Yohji Yamamoto. Kleider und Hosen liegen tendenziell darunter, große Statement-Stücke deutlich darüber. Die Bestellung läuft bewusst gegen den Wholesale-Rhythmus — Made-to-order in Kyjiw, sechs bis acht Wochen Produktionszeit, keine klassischen Vorab-Saisonkollektionen. Wer hier kauft, kauft Konzept und Wartezeit. Vergleichbar mit der Logik, die hinter Investments wie einem Painit Edelstein steht: Seltenheit und Bedeutung schlagen kurzfristigen Trend.

Checkliste: Ist Dzhus das richtige Label für mich?

• ✓ Ich besitze lieber wenige, vielseitige Teile als viele Trendstücke
• ✓ Ich kann mit Volumen, Asymmetrie und architektonischen Schnitten umgehen
• ✓ Mir ist Materialethik (vegan, Zero-Waste, Deadstock) wichtig
• ✓ Ich akzeptiere sechs bis acht Wochen Lieferzeit ohne Rabatt-Druck
• ✓ Ich verstehe Mode als intellektuelles Statement, nicht nur als Outfit
• ✓ Ich bin bereit, im oberen Designersegment zu investieren
• ✓ Ich trage gerne genderfluide Schnitte — Dzhus löst klassische Kategorien auf

Wer alle Punkte abhakt, gehört zur Zielgruppe. Wer drei oder weniger erfüllt, sollte vermutlich woanders shoppen. Auch im Bereich Herrenmode finden sich übrigens spannende Parallelen — Dzhus arbeitet bewusst genderfluid und löst klassische Schnitt-Kategorien auf.

Substanz schlägt Inszenierung:

]]> https://fivmagazine.de/namilia-sexy-bikerlooks-clubwear-berlin-fashion-week-aw23-24/ Fri, 20 Jan 2023 22:34:07 +0000 https://fivmagazine.de/?p=172371 Namilia / Berlin Fashion Week – Nach drei Jahren Abwesenheit vom Laufsteg ist Namilia zurück auf der Fashion Week! Das Comeback war mit der Fashion Show „Cruising Utopia“ in Kollaboration mit Need for Speed ein voller Erfolg. Von Transgender und Curvy Models bis zu Drag Queens präsentierte eine Diversität an Models die heiß ersehnte Kollektion von Namilia. Eine Show der es an Repräsentation nicht fehlt!

Namilia: Herbst Winter Looks 23/34

Die Cruising Utopia Kollektion ist von der Welt von Autorennen und Motorrädern inspiriert. Bikerjacken in grün, blau und orange sind auf dem Laufsteg zu sehen. Hinzu kommen freizügige und mit dem Körper spielende Kleider, Bodysuits und Korsetts, der es an Sexyness kaum fehlt. Spitze und hohe Schultern runden die Designs von Namilia ab.

Modenschau: Live

Runway: Highlights

Foto Credits: Getty Images

]]> https://fivmagazine.de/marc-cain-berlin-fashion-week-aw23-24/ Mon, 16 Jan 2023 15:51:34 +0000 https://fivmagazine.de/?p=172372 1.500 Gäste, 52 Models, 65 Outfits, ein 80 Meter langer Runway in Hangar 4 des stillgelegten Flughafens Tempelhof: Marc Cain inszenierte zum 50. Markenjubiläum eine der größten Modeschauen, die Berlin in seiner Geschichte gesehen hat. Während andere Häuser auf reduzierte 30-Looks-Formate setzen, lieferte das schwäbische Label unter dem Motto „A New Journey“ eine opulente Demonstration dessen, was deutsche Mode kann, wenn sie sich traut, groß zu denken. Wer sich für die Bandbreite deutscher und internationaler Häuser interessiert, findet in unserer Übersicht aller Modemarken von A bis Z weitere Häuser mit vergleichbarer Tradition.

Die Kollektion Herbst/Winter ist mehr als eine Saisonaussage – sie ist ein Statement zur Identität einer Marke, die seit ihrer Gründung 1973 in Bodelshausen auf der Schwäbischen Alb produziert und bis heute familiengeführt ist. Die eigentliche These dieses Artikels: Marc Cain ist kein Designer-Label im klassischen Sinn, sondern eine industrielle Strick-Architektur mit einer Kreativabteilung, die zufällig auch Mäntel macht. Genau das macht die Marke einzigartig – und unverwechselbar im Premium-Segment. Einen umfassenden Überblick über alle Shows der Saison bietet unsere Berlin Fashion Week AW23/24 Übersicht.

Das Wichtigste auf einen Blick:

• Gegründet 1973 von Helmut Schlotterer in Bodelshausen, Schwäbische Alb
• Karin Veit als Creative Director seit 1985 – über 35 Jahre Kontinuität
• Über 100 Stoll-Flachstrickautomaten am Stammsitz, eigene Strickerei
• Rund 220 eigene Stores weltweit, geschätzter Umsatz im dreistelligen Millionenbereich
• Show-Heimat Tempelhof: 6.000 m² Fläche, 19 Meter Deckenhöhe

Tempelhof als Markeninstrument: Warum Hangar 4 mehr ist als eine Kulisse

Der Showort ist bei Marc Cain nie Dekor, sondern Dramaturgie. Hangar 4 des ehemaligen Flughafens Tempelhof bietet, was kaum eine andere Berliner Location liefern kann: rund 6.000 Quadratmeter freie Fläche, Deckenhöhen bis 19 Meter und eine industriell-monumentale Atmosphäre, die jedes Strick- oder Mantel-Piece optisch zwei Größen wachsen lässt. Marc Cain bucht Tempelhof seit Jahren wiederkehrend – eine bewusste Markenstrategie, die das Setting selbst zum Wiedererkennungsmerkmal macht. Die Tagesmiete für einen Hangar dieser Größenordnung liegt im fünfstelligen Bereich, dazu kommen Aufbau, Licht, Bühnenbau und Sicherheit – ein einstelliger Millionenbetrag pro Show ist hier realistischer als der bei Berliner Modenschauen sonst übliche sechsstellige Rahmen.

Das ist kein Zufall, sondern Kalkül. Während andere Marken Saison für Saison neue Locations suchen, um Buzz zu generieren, baut Marc Cain mit Tempelhof ein Bühnenarchiv auf, das in der Erinnerung der Gäste zu einem konsistenten Markenraum verschmilzt. Eine Schau im Hotelballsaal hätte dieselbe Kollektion gezeigt und eine völlig andere Geschichte erzählt. Wer die Mechanik einer professionellen Modenschau einmal im Detail verstehen will, erkennt hier den Unterschied zwischen Event und Markenarchitektur – ein Prinzip, das auch internationale Häuser auf der Fashion Week Mailand konsequent verfolgen.

Die Symbolik des Neuanfangs zum 50. Jubiläum

„A New Journey“ als Kollektionstitel im Jubiläumsjahr ist eine bewusste Doppelbotschaft: ein Rückblick auf 50 Jahre Markenarbeit und gleichzeitig die Ansage, dass die nächsten 50 nicht aus Wiederholung bestehen werden. Die Wahl eines Flughafens als Bühne unterstreicht diese Lesart bis ins Detail – Aufbruch, Bewegung, Transit. Genau diese Doppelbödigkeit – ein Statement, das Tradition und Aufbruch gleichzeitig erzählt – findet sich auch in den klassischen Mode-Zitaten von Lagerfeld und Chanel. Ähnlich gekonnt spielte in derselben Berliner Saison etwa Rebekka Ruétz mit elegant-sportlichen Silhouetten, die ebenfalls auf den Spannungsbogen zwischen Vergangenheit und Gegenwart setzte.

50 Jahre Marc Cain heißen nicht: 50 Jahre dasselbe. Sie heißen: 50 Jahre konsequent eigene Handschrift – und der Mut, sie immer wieder neu zu interpretieren.

Die Frau, die Marc Cain seit 1985 designt – und nie auf der Bühne steht

Hier liegt der eigentlich interessante Punkt, den die meisten Berichte übersehen: „Marc Cain“ ist keine Person. Gründer Helmut Schlotterer, ursprünglich im Vertrieb für italienische Strickwaren tätig, wählte den Namen 1973 bewusst als internationale Kunstmarke – griffig, neutral, weltmarkttauglich. „Marc“ für maskuline Klarheit, „Cain“ für eine Aussprache, die in Englisch, Französisch und Italienisch ohne Verlust funktioniert. Die häufig kolportierte These, der Name sei eine Hommage an Marc Bohan (damals Chefdesigner bei Dior), ist in offiziellen Markenverlautbarungen nicht bestätigt – sie hält sich aber als Branchenlegende hartnäckig.

Entscheidend ist die strategische Konsequenz: Die Marke konnte sich nie an einer Designer-Persönlichkeit aufhängen, sondern an einem Stilversprechen. Anders als bei Dolce & Gabbana oder Giorgio Armani steht hier kein Namensvetter im Logo. Die kreative Handschrift kommt von Karin Veit, die bereits 1985 ins Haus kam und heute als Head of Creative Direction die Linie verantwortet. Über 35 Jahre Kontinuität in der Designführung – das ist in der Branche fast einmalig. Bei LVMH-Häusern wechselt der Creative Director im Schnitt alle fünf bis sieben Jahre. Veit ist die eigentliche Architektin der Kollektionen – die Frau, die entscheidet, welche Brokate auf welche Strickkleider treffen und wo Neon im Mantel sitzt. Sie tritt selbst nach Schauen kaum vor die Kamera, gibt selten Interviews und überlässt den Auftritt konsequent der Marke. Eine bemerkenswerte Haltung in einer Branche, in der Designer-Egos zur Markenstrategie gehören – wie etwa bei Kilian Kerner, der seine Pailletten-Anzüge in derselben Saison höchstpersönlich zelebrierte.

Wer die Logik solcher Markennamen vertiefen will, findet in unserer Übersicht der Modemarken mit D weitere Beispiele für strategisches Branding. Auch in den Modemarken mit P und Modemarken mit N lassen sich vergleichbare Muster bei der Namensfindung nachvollziehen.

„A New Journey“: Die Kollektion zwischen Brokat, Neon und Oversized-Mänteln

Was die 65 Outfits eint, ist eine Spannung, die typisch für Marc Cain ist: opulente Materialien treffen auf futuristische Silhouetten. Brokat, Samt, Seide, Pailletten und aufwendige Strickkonstruktionen werden nicht im klassischen Couture-Sinn inszeniert, sondern in Schnitten, die zwischen Streetwear-Volumen und alter Schule pendeln. Ultrakurze Röcke und kurze Jacken stehen neben Oversized-Mänteln, die fast bodenlang über den Runway zogen. Vergleichbare Kontraste zwischen Volumen und Reduktion zeigten in derselben Saison auch die Fransenkleider und maskulinen Anzüge bei Litkovska.

https://youtube.com/watch?v=mGGWRFyZkfY

Die fünf prägenden Looks der Saison

Wer die Show analytisch zerlegt, erkennt fünf Mikrotrends, die sich auch unabhängig von der Marke saisonübergreifend tragen lassen – also genau die Art von Trends, die in drei Jahren noch funktionieren:

Trend	Material/Schnitt	Tragbarkeit Alltag
Oversized Mantel	Wolle, knielang bis bodenlang	Sehr hoch
Neon-Akzente	Pink, Lime, elektrisches Blau	Mittel – als Statement
Brokat-Anzug	Lila, Gold, Bordeaux	Hoch – Abend & Office
Pailletten am Tag	Tops und Röcke	Mittel – mit Knit kombinieren
3D-Strick	Nahtlose Pullover & Kleider	Sehr hoch

Mustermix als Markensignatur

Marc Cain ist eine der wenigen großen Marken, die Mustermix nicht als modisches Wagnis, sondern als Standard inszeniert. Florale Prints, geometrische Strukturen und Tiermuster wie Leopard und Zebra begegnen sich in einem einzigen Look. Der Mustermix folgt dabei einer einfachen Regel: ein dominantes Muster als Hauptträger, ein zweites in reduzierter Fläche als Echo. Drei Muster werden bewusst vermieden – das ist die Schwelle, an der aus Stilmittel ein Kostüm wird. In Kombination mit den präzise geschnittenen Strickteilen entsteht ein Look, der erwachsen wirkt, ohne in klassisches Damen-Repertoire abzurutschen. Wer sich für ähnlich mutige Muster-Kombinationen in der Berliner Szene interessiert, findet bei Marcel Ostertag – Felle und Latex zur selben Fashion Week – einen spannenden Kontrapunkt.

Made in Bodelshausen: Was Marc Cain technologisch von der Konkurrenz unterscheidet

Während Dior, Gucci oder Prada ihre Produktion längst weltweit verteilen, fertigt Marc Cain einen erheblichen Anteil seiner Strickwaren am Stammsitz auf der Schwäbischen Alb. Das ist nicht zufällig: Bodelshausen liegt im Zentrum einer historischen Trikotweber-Region, deren Wirkereitradition bis ins 19. Jahrhundert zurückreicht. Marc Cain betreibt dort eine eigene Strickerei mit Maschinen des Reutlinger Maschinenbauers Stoll – darunter die „knit and wear“-Technologie, die nahtlose Pullover, Kleider und Tops in einem einzigen Strickvorgang ermöglicht. Eine einzelne dieser Flachstrickautomaten kostet zwischen 80.000 und 120.000 Euro; Marc Cain betreibt davon über 100 Stück. Der geschätzte Vertikalisierungsgrad in der Strickkollektion liegt bei rund 60 Prozent – Hugo Boss kommt in vergleichbaren Warengruppen nicht über 20 Prozent.

Ein oft übersehener strategischer Vorteil: Stoll sitzt in Reutlingen, nur rund 30 Kilometer vom Marc-Cain-Stammwerk entfernt. Wartung, Updates und Schulungen passieren in einem Tagesradius – ein logistischer Hebel, den keine asiatische Produktionsstätte replizieren kann. Marc Cain war zudem einer der ersten europäischen Premium-Markenkunden, der die 1995 von Stoll auf der ITMA Mailand vorgestellte „knit and wear“-Technik konsequent ins Sortiment integrierte – Jahre bevor Häuser wie Max Mara oder Loro Piana nachzogen.

Warum nahtloser Strick ein technologisches Statement ist

Der eigentliche Hebel der Technik bleibt im Branchengespräch oft unerwähnt: Weil das Kleidungsstück in einem Stück gestrickt wird, entfällt der konventionelle Zuschnitt – das spart bis zu 30 Prozent Materialeinsatz. Ein nahtloses Strickkleid läuft je nach Komplexität 45 bis 90 Minuten in der Maschine, ohne dass Näherinnen anschließend Seitennähte schließen müssen. Das ist kein Marketing-Claim, sondern messbare Substanz. Die Investition in eigene Maschinen ist langfristig auch ein Inflationsschutz: Wer die Wertschöpfung im Haus hat, ist weniger anfällig für die Preissprünge globaler Lieferketten – ähnlich wie bei seltenen Materialien, die als Edelstein-Investment funktionieren.

Was Marc Cain technisch auszeichnet – Checkliste:

• ✓ Über 100 Stoll-Flachstrickautomaten am Stammsitz
• ✓ „knit and wear“-Technologie für nahtlose Strickteile
• ✓ Vertikalisierungsgrad von rund 60 Prozent in der Strickkollektion
• ✓ Bis zu 30 Prozent weniger Materialverbrauch durch nahtlose Fertigung
• ✓ Eigene Färberei und Stoffentwicklung in Bodelshausen
• ✓ Maschinenpartner Stoll im Tagesradius (30 Kilometer)

Vergleich mit der internationalen Konkurrenz

Das Marc-Cain-Preissegment liegt zwischen klassischem Premium und unterem Luxus – also dort, wo viele Käuferinnen zwischen einem Designer-Piece, einem Hugo-Boss-Mantel und einem Marc-Cain-Strickkleid abwägen. Konkrete Hausnummern: Strickpullover starten bei rund 200 Euro, Strickkleider bewegen sich zwischen 300 und 500 Euro, Mäntel liegen bei 500 bis 900 Euro, einzelne Show-Pieces übersteigen die 1.500-Euro-Marke. Der entscheidende Unterschied zur Konkurrenz: deutsche Produktion, transparente Lieferkette, hoher Strick-Anteil im Sortiment – Qualitätsmerkmale, die auch angehende Designer im High-Fashion-Bereich als Orientierung nutzen können, wenn sie eigene Produktionsstrategien entwickeln.

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